Bonner Generalanzeiger, 17.07.2014

perFORM - Performance-Wochenende in Königswinter

KÖNIGSWINTER. Ein König ohne Krone ist kein richtiger König. Und auch ein Königssommer ist viel schöner mit einer Krone. Deshalb werden acht dieser exklusiven Kopfbedeckungen vom 19. Juli bis zum 31. August an den Eingängen in die Altstadt den Besuchern den Königssommer 2014 signalisieren. Ein Unkeler Metallbauer stellt die jeweils einen Meter hohen Kronen mit einem Durchmesser von 40 Zentimetern her. Mit gelben Zacken und blauem Fuß. Nach der erfolgreichen Premiere im vergangenen Jahr werden ganz viele Kulturschaffende an sieben aufeinanderfolgenden Wochenenden unter dem Dach - oder besser gesagt unter der Krone - des Königssommers auftreten.

(...) Interaktion erwartet die Besucher bei der Performance am 9. und 10. August. So kann man sich von der Berlinerin Käthe Wenzel mit einer eigens dafür gefertigten Maschine im Nabelbereich bauchpinseln lassen. Die Künstlerin möchte auf diese symbolische Weise darauf aufmerksam machen, dass Bauchpinseln in der heutigen Gesellschaft immer mehr an Bedeutung gewinnt. Mit dabei ist auch die international bekannte Performancekünstlerin Yingmai Duan aus China.

"Da wird richtig was los sein", verspricht Helmut Lorscheid (antiform). Das Museumsfest des Siebengebirgsmuseums am 16. August bietet auch in diesem Jahr ein umfangreiches Familienprogramm, ein Puppentheater und eine Filmnacht mit dem Melodram "Ein Herz spielt falsch" aus dem Jahr 1953 mit Ruth Leuwerik und O.W. Fischer, das sinnigerweise auch noch in Königswinter spielt. (...)

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Bonner Generalanzeiger, 13.10.2014.

Einmal Bauchpinseln gefällig?

Verwunderte, aber auch neugierige Blicke ernteten Künstler beim vom Verein "antiform" organisierten Königssommer.

PDF Generalanzeiger

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Hildesheimer Allgemeine Zeitung 2014 - von Martina Prante.

Sich die Welt erklären lassen

Käthe Wenzel untersucht das "Tal der Lamme" / Kunstaktion zur Bedeutung eines Flusses / Landkarte im Internet

PDF Hidesheimer Allgemeine Zeitung

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Iris Kühnberger in: Standbein-Spielbein, Fachzeitschrift f�r Museumspädagogik. 04/2013, p.15-19.

Nicht alles f�r alle, aber für jeden etwas.

Die Zukunft des Deutschen Technikmuseums Berlin

PDF Standbein - Spielbein

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Valerie Schönian in: Der Tagesspiegel, 20.03.2013

Mit der Gondel durch die Ausstellung

Man versetze sich zumindest gedanklich in eine Zeit vor dem Winter. Wie wäre es an einem heiß-trägen Augusttag, ein Museum in der Stadt zu haben, dessen Straßen komplett geflutet sind: Die Besucher schippem auf Gondeln von Ausstellung zu Ausstellung, das Wasser immer unter den Füßen. Wenn es nach zwei Berlinerinnen Anfang 40 ginge, sollte so das Museum der Zukunft aussehen.

Die Künstlerin Käthe Wenzel hat die beiden Frauen im vergangenen August nach ihren Versionen f&uuml;r die kulturellen Stätten gefragt - und mehr als fünfzig weitere Stadtbewohner. Die Antworten hat sie in Form von Cartoons festgehalten. 24 davon sind seit Dienstag und bis zum Ende des Iabres in der Ausstellung "Bilder von morgen" auf dem Freigelände des Deutschen Technikmuseums (DTM) zu sehen: Dabei sind ein rollstuhlgerechtes James- Bond-Flugzeug, ein Flugsimulator und ein SwiImmingpool auf dem Dach.

Es habe aber auch bescheidenere Wünscbe gegeben, sagt die Künstlerin, wie beispielsweise Toiletten oder Sitzpl�tze in st�ndiger Reichweite. Anlass für das Projekt ist der geplante Anbau "Technoversum" des DTM. Die Bilder sollen einen besonderen Blick darauf schaffen, sagt Iris K�hnberger, Bildungsleiterin des Museums. Ob dort irgendwann mal Gondeln fahren sei abzuwarten, aber: "Die Toiletten kommen auf jeden Fall."

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Verkehrsverein Hörstel, Kreis Steinfurt, April 2013

Mit dem Rad auf den Spuren von Käthe Wenzels WasserKarte

Susanne Treutlein (l.), beim Kreis Steinfurt verantwortlich für Tourismusförderung und Regionalmarketing, und die Künstlerin Käthe Wenzel sprachen jetzt im DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst über die WasserKarte. Das Schild, das die beiden auf dem Gelände des Kunsthauses hoch halten, wird in der nächsten Zeit an den kartierten Orten aufgestellt. Es enthält sogenannte QR-Codes. Damit können sich die Radfahrer und Wanderer per Smartphone in die Internetseite einwählen. 

Künstlerin bereitet Eröffnungsradtour und damit Höhepunkt ihres Projektstipendiums vor „Und das Schiff muss ich morgen noch weiß überstreichen!“ seufzt Käthe Wenzel, lacht und deutet auf das Bild an der Wand ihres Ateliers. Noch für einen Tag gehört der Ausstellungsraum ihr. Im DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst in Hörstel bekommen die Künstler und Künstlerinnen des Projektstipendiums KunstKommunikation ein Atelier, in dem sie während des Projektjahres arbeiten und ihre Arbeit präsentieren können. Nun ziehen bald die neuen Stipendiaten ein. Trotzdem ist Käthe Wenzels Projekt „WasserKarte“ brandaktuell. Gemeinsam mit Susanne Treutlein, beim Kreis Steinfurt verantwortlich für Tourismusförderung und Regionalmarketing, sitzt die Berliner Künstlerin im DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst und plant, wie sie das Kunstprojekt touristisch nutzbar machen können. Die Idee zu der „WasserKarte“ hatte Käthe Wenzel in New York während einer Gastprofessur entwickelt. „Diese Stadt konnte ich nur zeichnend bewältigen“, sagt sie schmunzelnd. 

Sie zeichnete verschiedene Orte und Situationen der Metropole und stellte sie auf ihre Internetseite. „Irgendwann hörte ich, dass Menschen nur wegen dieser Zeichnungen regelmäßig meine Internetseite anschauen“, erzählt die Künstlerin. Im Kreis Steinfurt drehte sie das Ganze dann um und suchte den Dialog mit den Menschen in der Region, um von ihnen zu hören, welche Orte sie auf einer Landkarte sehen möchten und fertigte dann zu den verschiedenen Gräften, Schleusen, Häfen und Unterwassergärten Zeichnungen an. In einem zweiten Schritt wurde das Ganze ins Internet übertragen: Auf der Webseite www.cartoonorama.de lassen sich per Mausklick die Cartoon-Ansichten des angeklickten Ortes und Ausschnitte aus den Interviews öffnen. 

In den nächsten Monaten folgt jetzt der dritte und letzte Schritt: „Es geht in die Landschaft“, freut sich Käthe Wenzel. Dafür bringt sie nun an den kartierten Orten Schilder an, die es ermöglichen, sich per Smartphone in die Internetseite einzuwählen. Das funktioniert mittels QR-Codes. Für Wandern und Radfahren ohne technische Hilfsmittel gibt es eine gedruckte Wanderkarte. 

Die Künstlerin lässt es sich nicht nehmen, bei der Eröffnungsradtour am Sonntag, 28. April – eingerahmt in das traditionelle „Sattelfest“ und somit an dem Tag, an dem traditionell die Radsaison im Münsterland eröffnet wird – die Führung zu übernehmen. Die Planung übernimmt sie gemeinsam mit Gerd Andersen, Leiterin und Kuratorin des DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst. Einiges steht schon jetzt fest: Die Tour startet und endet in Gravenhorst und wird circa zwei Stunden dauern. Treffpunkt ist um 13 Uhr im Foyer des Kunsthauses. Käthe Wenzel freut sich schon jetzt auf diesen Termin. „Das ganze Projekt macht viel Spaß. Die Menschen hier sind sehr zugänglich und unproblematisch und es ist schön, dass das Kunsthaus so gut eingebunden ist. Hier sind die touristischen und kulturellen Wege, insgesamt das ganze Miteinander schon sehr gut entwickelt“, sagt sie.

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Westfälische Nachrichten, 25.04.2013

Dann kam Tschernobyl

Künstlerin spricht mit Menschen über Atomfrage - Antworten in Cartoons verpackt

Schöppingen - Wie fühlt es sich an, neben einem Atomzwischenlager zu wohnen? 
Was halten die Nachbarn von angereisten Demonstranten, die Bahngleise blockieren? 
Wie dringend brauchen wir Atomstrom? 

Die Künstlerin Käthe Wenzel fragt nach: Mit einem Stipendium des Künstlerdorfs Schöppingen bereiste sie im Rahmen des Gesamtprojekts „Kritische Masse“ das Münsterland und sprach mit Bürgern in Gronau und Ahaus, mit Aktivisten und Parlamentariern, führte Interviews mit Vertretern von Atombetrieben und in der Fußgängerzone. Die Antworten übersetzt sie in cartoonartige Zeichnungen, die in eine interaktive Landkarte im Netz eingebunden sind.

„In unserer Familie waren wir immer vom technischen Fortschritt überzeugt. Dann kam Tschernobyl. Das war so wie: ‚Shit, den Weihnachtmann gibt es gar nicht‘“, erzählte zum Beispiel Melanie Werner aus Retzen der Künstlerin. Ihr Zitat ist illustriert mit einer Zeichnung vom Weihnachtsmann. Beides ist auf der Inter-netseite von Käthe Wenzel zu sehen. Ausgehend von einer herkömmlichen Landkarte entsteht hier mit täglich neuen Zeichnungen eine interaktive Karte für das Internet, die einen Überblick über Atomstandorte, Proteste, Bürgermeinungen und Statements von Fachleuten im Münsterland gibt. Jedes Gespräch wird auf der Karte markiert, und wenn man mit der Computermaus darüber fährt, öffnen sich Zitate und Zeichnungen. 

Ergebnis ist ein vielstimmiges Porträt der Region zu einem der Schmerzthemen der Bundespolitik. 

Das Gesamtprojekt „Kritische Masse“ ist eine Aktion zu Kunst und Energie im Münsterland. Mit künstlerischen Strategien und Mitteln wird eine kritische Befragung zum Thema Energie im Münsterland durchgeführt und mit ästhetischen Mitteln die zentrale Stellung der Energiefrage für die Zukunft bewusst gemacht. Das Projekt ist dezentral (verschiedene Orte, verschiedene autonom handelnde Akteure und Veranstalter) und weitgehend ergebnisoffen angelegt. Die gemeinsame Klammer bildet das Thema. Die konkreten Verfahren und Vorgehensweisen sind künstlerische Aktionen und Strategien im öffentlichen Raum und Internet, Ausstellungen, partizipatorische Versuchsanordnungen und Experimente. „Kritische Masse“ wird gefördert vom Ministerium für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen. 

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Marvin Altner in: Gleisdreieck Berlin 2012. Kunst im Öffentlichen Raum.
Katalog zur Ausstellung, Berlin 2012

Brot gewordene Architektur ist Käthe Wenzels künstlerische Spezialität. Nach dem Sommergästeschloss Friedrichs des Großen in Potsdam-Sanssouci (2008) ,und der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften (2009) in Hefeteig folgt für ..Gleisdreieck Berlin 2012" das Park-Brot. Erstmals erweitert Wenzel die Serie ihrer temporären Brot-Skulpturen um die landschaftliche Dimension des Stadtraums. 
Für sie gilt, was auch auf ihre Architektur-Laibe im Gegensatz zu konventionellen Modellgebäuden aus Sperrholz und Styropor zutrifft: the medium is the message. Wenzels Brotmodelle visualisieren eine Auffassung von Stadt, in der das Bauwerk als Laib in seiner Formbarkeit erscheint. Betrachtung, Einverleibung und Reflexion laufen parallel und niemand isst die Architektur allein, wenn die Künstlerin sie angeschnitten hat. 

Auch Käthe Wenzels Interactive Cartoon Mapping im Park am Gleisdreieck hat Vorläufer: Innerhalb der Werkgruppe Cartoonorama entstanden bislang das Brooklyn Diary - Mapping New York, die Campustour 2010 Uni Flensburg sowie GrensMap. Wo ist ihre Grenze? mit Gesprächen, Erkundungen und Zeichnungen auf Fahrten entlang der deutsch-niederländischen Grenze. Standen bei den zurückliegenden Mapping-Projekten die Menschen nicht nur als Befragte, sondern auch als Personen mit ihrem individuellen Habitus, ihrer Kleidung und ihren Verhaltensweisen im Mittelpunkt, so konzentriert sich Wenzel im Rahmen ihrer ersten Berliner Cartoonorama-Aktion vor allem auf den Ort. Die Stadtansicht als Darstellungsgegenstand und Inspirationsquelle wird durch fiktive Szenarien, die BesucherInnen des Parks im Gespräch mit der Künstlerin entwickeln, in einen Möglichkeitsraum transformiert, der als solcher nur im Medium Zeichnung existiert. 

Verfügbar werden die Zeichnungen Wenzels auf der Internetseite cartoonorama. de, auf der per Cursorbewegung farbige Pop-ups der City-Cartoons abrufbar sind, deren visionärer Charakter nur noch die Grenzen des Darstellbaren kennt.

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Ulrike Burgwinkel: DeutschlandRadio, 14.06.2012, 14:20.

Die Ästhetik der Blöße

Interview-MP3

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Frank Kaspar, in: Forschung und Gesellschaft. DeutschlandRadio Kultur, 17.11.2011, 19:30 Uhr.

Zeichnen als Forschung

Interview-MP3

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San Francisco Chronicle, 21.04.2010.

Before and after photography. Bay Area arts picks.

PDF San Francisco Chronicle

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Press Release:

John Roach and Käthe Wenzel: Robo-Improvisation Arena

Exhibition Dates: November 6 through November 15, 2009

“Have you ever controlled a robot or conducted an orchestra? ” Artists John Roach and Käthe Wenzel say, “You can do both in one go!” Their “Robo-Improvisation Arena” at Space on Dobbin turns the gallery into a “collective art coliseum.” The audience activates five remote-controlled robots, or “artbots”, designed by Berlin artist Käthe Wenzel. Bearing charged brushes and such heraldic names as “Pablo, Hellraiser Off Canvas”, “Fightin’ Gal Frida,” and “Andy Popsicle,” the artbots move around the 8 foot-square arena. As they pass magnetic fields in the installation, designed by sound artist John Roach, they trigger colored lights and signal musicians to improvise. But the musicians also must follow the artbots’ painted marks like an evolving graphic score.

The installation is a collectively operated system of color, sound, and movement. The result can be a duet between an artbot and a soloist, or an interactive symphony.

“I am interested in setting up open experiments that the audience completes,” says John Roach. “The results of this piece depend on your presence and your choices. You’re invited to embrace uncertainty, expectation and curiosity. You never know who’s in control.” For Käthe Wenzel, “Robo-Improvisation Arena” reflects the dynamics of urban life, which we all produce and participate in daily. It is also emblematic of the collective production of culture, crossing temporal, geographic, and personal boundaries. This points away from the mechanisms of the art market, including the role of the ‘heroic’ artist as the generator of art history.

The installation functions with live musicians performing on Friday Nov. 6th,, 6.30-9.30 PM (musicians: Irene Fong, John McQueeney, Paul Corio) & Friday Nov. 13th, 6.30-9.30 PM (musicians: Glendon Jones, Benjamin Bacon, Charles Goldman). At other times, visitors operate artbots accompanied by recorded music.

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Käthe Wenzel in: Festschrift des Robert Tillmanns Hauses zum 50-jährigen Bestehen

Von der Museumsinsel bis in den Hinterhof

Berlin hat viel zu bieten. In puncto Kunst vor allem seine reichen Museen - und eine springlebendige Kunstszene, die sich von den Galerien in der Auguststraße bis in die Ateliers und experimentellen Räume in den Hinterhöfen von Kreuzberg und Prenzlauer Berg erstreckt. Institutionen und Improvisiertes, Altes und Neues, Markt und Experiment - in Berlin finden Sie alles Seite an Seite, und wer will, kann sich auf ausführliche Entdeckungsreisen begeben. Wer sich die Kunststadt Berlin erobern möchte, beginnt meist mit der Museumsinsel.

Das ist eine gute Wahl, denn das in über 100 Jahren Bauzeit entstandene Gesamtkunstwerk mit seinen fünf großen Häusern, die einzigartige Kulisse mit ihren Tempelfronten, Säulengängen und den Ausblicken auf den Fluss und die Stadt sollte man auf keinen Fall verpassen - nicht einmal dann, wenn einen Kunstwerke aus 6000 Jahren Geschichte kalt lassen sollten. In den 1830er Jahren geplant als Schrein für Wissenschaft und Kunst von der Frühantike bis ins 19. Jahrhundert, wurde der Komplex bis zur Eröffnung des Pergamon-Museums 1935 immer wieder erweitert und verschönert.

Ziel war nicht mehr und nicht weniger als eine Gesamtschau der sogenannten Hochkulturen der Menschheit - vom alten Ägypten über die Kunst des Zweistromlandes und der klassischen Antike über Mittelalter, Renaissance und Barock bis zum Preussen des 19. Jahrhunderts. Tatsächlich kann man von kykladischen Skulpturen bis zu Ölmalerei des 19. Jahrhunderts auf der Museumsinsel fast alles sehen, was schön und kostbar ist. Höhepunkte sind, neben der weltberühmten Nofretete-Büste im Alten Museum, die Architekturen aus Babylon und Kleinasien: Das spektakuläre Ischtartor, der Pergamon-Altar und die Fassade des Markttors von Milet machen das Pergamon-Museum zum einzigen Indoor-Architekturmuseum weltweit.

Das Bode-Museum prunkt mit dem komplett ausgestatteten Innenraum einer italienischen Renaissance-Basilika, und in der Alten Nationalgalerie hängen Hauptwerke der Romantik und des deutschen und französischen Impressionismus, darunter Gemälde von Caspar David Friedrich, Menzel, Liebermann, Corot, Renoir und Manet. In die Betrachtung der französischen Impressionisten kann sich ein Fünkchen Bedauern einschleichen, wenn man bedenkt, dass Hugo von Tschudi, Leiter der Nationalgalerie um 1900, vom Ankauf weiterer Werke zurückgepfiffen wurde: Kaiser Wilhelm II. selbst soll ihm mit den Worten "Keine violetten Ferkel, Tschudi!" zu verstehen gegeben haben, der solle sich bei seiner Ankaufspolitik lieber auf deutsche Kunst konzentrieren, die man für solider und vor allem für moralisch hielt.

Zur Zeit stehen auf der Museumsinsel wieder Kräne. Nach der Zusammenführung der geteilten Sammlungen in der Folge der Wiedervereinigung wird noch bis 2015 saniert und erweitert: Eine unterirdische Promenade soll die archäologischen Museen verbinden; das Neue Museum, seit dem Krieg eine Ruine, wird wieder aufgebaut; und eine neue, den alten Formen nachempfundene Galerie wird den Eingang zur Insel eröffnen, wenn das gesamte Ensemble als Weltkulturerbe neu eingeweiht wird. Neben den vielen Eindrücken der Museumsinsel könnte man den Rest von Berlin als Kunststadt fast aus den Augen verlieren - aber das wäre schade.

Nicht verpassen sollte man das Kulturforum im Westen mit der Neuen Nationalgalerie, der Gemäldegalerie, dem Kupferstichkabinett und zahlreichen weiteren Museen. Zusammen mit der Staatsbibliothek West, dem Kammermusiksaal und der Philharmonie entstanden die Museumsbauten an der Potsdamer Straße seit den späten 60er Jahren als Ersatz für das verlorene kulturelle Zentrum im Ostteil der Stadt und - in Sichtweite der Mauer - auch als kulturelle und finanzielle Machtdemonstration des Westens. Heute lockt die Gemäldegalerie mit Werken von Brueghel, Tizian, Caravaggio und Rembrandt, und das lichtdurchflutete Atrium lädt zu einer Ruhepause auf Bänken beim plätschernden Brunnen ein. Eine zu Unrecht weniger bekannte Besonderheit ist das Kupferstichkabinett - wer will, kann sich hier einen Druck oder eine Originalzeichnung von Käthe Kollwitz, Paul Klee oder sogar von Rembrandt vorlegen lassen und sie ganz für sich und von nahem in aller Ruhe betrachten. Gleich nebenan liegt die Neue Nationalgalerie von Mies van der Rohe mit ihrer reichen Sammlung von der klassischen Moderne bis zur Gegenwart.

Leider gerät der NNG auch die Ausstellungspolitik manchmal ein wenig allzu "klassisch" - es werden kaum Arbeiten von Künstlerinnen gezeigt, und der Kunst der DDR, die immerhin 40 Jahre lang für einen großen Teil des Landes von Bedeutung war, widmet man kaum mehr als ein Alibi-Eckchen. Den großen Bewegungen der Moderne räumt sie jedoch üppigen Raum ein, und hier bietet sie alles auf, was Rang und Namen hat, von Munch über Klee und Picasso bis zu Lucio Fontana und Gerhard Richter. Wer mehr Zeitgenössisches und Kunst jenseits der Koryphäen des 20. Jahrhunderts sehen will, sollte sich dem Hamburger Bahnhof zuwenden, oder - noch besser - direkt in Berlins lebhafte Galerienszene eintauchen. In Verbindung mit Berlins quirliger Künstler- und Partyszene hat sie der Stadt in den letzten Jahren den Ruf eingetragen, hipper als New York zu sein!

Bekannt für ihre Galerien ist vor allem die Auguststraße in Mitte. Insbesondere die "Kunstwerke - Institute for Contemporary Art", erregen immer wieder mit hochprofilierten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst Aufmerksamkeit. Im Haus Nr. 26 residiert die Galerie eigen + art von Harry "Judy" Lybke, laut Wikipedia einem der erfolgreichsten Galeristen Deutschlands. In den 80er Jahren organisierte er in Leipzig Ausstellungen in seiner Privatwohnung zu einer Zeit, als Ausstellungsorte und Kunstzeitschriften ausschließlich in staatlicher Hand waren. Private Ausstellungen und zu Hause oder im Atelier hergestellte Magazine, die von Hand zu Hand gingen, unterliefen das Öffentlichkeitsmonopol der DDR und schufen die alternative Öffenlichkeit der oppositionellen Szene.

Einen Hauch von der wild-improvisierten Atmosphäre, die hier in den 90er Jahren herrschte, kann man noch um die Ecke im "Tacheles" in der Oranienburger Straße erhaschen. Den Ruf, inzwischen gewagtere und streitbarere Kunst als in der Auguststraße auszustellen, haben die Galerien in der Zimmerstraße - direkt um die Ecke vom Checkpoint Charlie kann man sich ein Bild davon machen, wer sich anschickt, in den nächsten Jahren den Markt zu erobern. Es lohnt sich, einen Blick zu riskieren.

Auch in Prenzlauer Berg gibt es viel zu entdecken, insbesondere rund um den U-Bahnhof Eberswalder Straße, wo früher die Mauer verlief und die Stadt an ein abruptes Ende kam. In alten Läden und Erdgeschosswohnungen, wo die Mieten erst jetzt beginnen, in die Höhe zu klettern, zwischen und hinter den Cafés und Restaurants haben sich alle Arten kleiner Läden, Werkstätten, Ateliers und Galerien eingenistet. Eine davon ist die Galerie Walden in der Kastanienallee 86, eine andere die galerie kurt im hirsch im zweiten Hinterhof der Kastanienallee 12. Hier findet Kunst abseits fester Budgets und institutioneller Politik statt; die kleinen, unabhängigen Galerien können es sich leisten, ergebnisoffene Projekte und junge Künstlerinnen und Künstler zu fördern. Sie bieten Raum für Experimente, die grandios oder mittelmäßig sein, und die auch einmal scheitern können.

Kurt im hirsch beispielsweise bezeichnet sich selbst als "experimentellen Kunst-Spielplatz"; zum "zehnjährigen Jubiläum ohne Budget" bekommen die Besucherinnen und Besucher die Fernsteuerungen für Käthe Wenzels Malroboter in die Hand und malen um die Wette. Der sogenannten "partizipatorischen Kunst" hat sich arttransponder e.V. in der Brunnenstraße 151 verschrieben. Arttransponder fördert und präsentiert Kunst, die nicht nur interaktiv ist, sondern die in aktiver Zusammenarbeit aller Beteiligten entsteht - die traditionellen Rollen von "kündendem" Künstler und andächtigen Betrachterinnen und Betrachtern werden aufgelöst; im Idealfall entstehen vielstimmige, kollektive Kunstwerke, die Aufschluss über das Befinden einer Gesellschaft geben. Mit Kunst, der es in erster Linie um Schönheit geht, hat dies nicht mehr viel zu tun; hier wird über Kunst diskutiert, die sich in soziale Zusammenhänge einschaltet, die konzeptuell und politisch sein will. Auf den ersten Blick scheint es ein weiter Weg von der Museumsinsel hierher. Aber wer sich Menzels "Eisenwalzwerk" oder Max Liebermanns "Spinnstube" in der Alten Nationalgalerie angesehen hat, weiß, dass engagierte Kunst keine neue Erfindung ist; und wer sich auf der langen Wanderung durch die Kunststadt Berlin mit schmerzenden Füßen vor dem so-und-so-vielten Bild auch einmal gelangweilt hat: Der ist schon ziemlich nah dran an den aktuellen Diskussionen über neue Formen von Kommunikation in und über Kunst, die zur Zeit in Berlin stattfinden.

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In: Märkische Allgemeine, 05.08.2008.

Montagsführung & Performance begleitend zur Ausstellung "Neue Kunst in den Neuen Kammern!"

Die Neuen Kammern im Park Sanssouci, einst das Gästeschloss Friedrichs des Großen, sind vom 19. Juli bis 28. September 2008 Schauplatz einer gemeinsamen Ausstellung von FLORA 16 - Büro für Kunst und Kommunikation und der Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg (SPSG): "Neue Kunst in den Neuen Kammern!", kuratiert von Ellen Kobe und Dr. Marvin Altner, präsentiert Bilder, Skulpturen und Installationen von 20 zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern aus dem In- und Ausland, die unseren Blick auf den traditionsreichen Ort und seine Geschichte erweitern. 

Mit der Kunstpräsentation in historischen Innenräumen beschreitet die SPSG Neuland: Erstmals wird zeitgenössischen KünstlerInnen die Möglichkeit geboten, ihre Werke direkt in den Schlossräumen der Hohenzollern zu zeigen. Bisher fanden von der SPSG veranstaltete Ausstellungen zeitgenössischer Kunst stets in neutralen Ausstellungsräumen statt. Die Neuen Kammern, ab 1747 ursprünglich als Orangerie erbaut, wurden wenige Jahre später zum königlichen Gästehaus umgestaltet. Friedrich der Große nutzte das zum Architekturensemble des Schlosses Sanssouci gehörende, im Stil des friderizianischen Rokoko gehaltene Gebäude für Feierlichkeiten, als Konzertsaal sowie als Wohnort hoher Militärs während der jährlichen Frühjahrsrevuen und Herbstmanöver. Nach umfangreichen Restaurierungsarbeiten sind die vier repräsentativen Festsäle und sieben Gästezimmer des Schlosses seit 1987 für den Publikumsverkehr geöffnet und empfangen jährlich etwa 50.000 Besucher. 

"Neue Kunst in den Neuen Kammern!" schafft eine Situation von reizvoller Mehrdeutigkeit: Künstlerinnen und Künstler integrieren ihre Werke in die historischen Räume, (fast) ohne sie zu berühren. Die künstlerischen Interventionen kommentieren, interpretieren und ironisieren die eindrucksvolle historische Architektur und Lebenswelt des 18. Jahrhunderts - ein spannungsreicher Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart entsteht. Die meisten der 20 KünstlerInnen haben ihre Arbeiten eigens für die Kammern und Säle des einstigen Gästeschlosses geschaffen. In allen Fällen wurden Werke ausgewählt, die Aspekte des Ortes und seiner Geschichte thematisieren. 

Dem symbolischen wie materiellen Reichtum der historischen Architekturen, Galerien und Innenausstattung des Schlosses begegnen die KünstlerInnen mit Werken aus den Bereichen Malerei, Skulptur, Performance, Fotografie, Architektur, Textilherstellung und Bühnenbild. Einige der aus Berlin stammenden KünstlerInnen bewegen sich in Potsdam-Sanssouci auf vertrautem Terrain, andere - aus Deutschland, Frankreich, der Schweiz und den USA - begegnen einem bisher fremden Ort. 

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Matthias Reichelt in: Junge Welt, 29.07.2008.

Aus alt mach neu: In zwei Potsdamer Ausstellungen wirkt Gegenwartskunst an historischen Orten

Im Jahre 1747 wurden die Neuen Kammern am Potsdamer Schloß Sanssouci als Orangerie geplant, aber letztlich als königliches Gästehaus von Friedrich dem Großen genutzt. Nun hat die Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg zum ersten Mal die Tore dieses Gebäudes für die zeitgenössische Kunst geöffnet. Mehr als 20 internationale Künstlerinnen und Künstler haben dort ihre Arbeiten als Intervention, als Aperçu oder ironisches Fake in die Räume integriert. In der Differenz liegt immer die Chance der Erkenntnis - Gegenwartskunst reagiert auf einen historischen Kontext. 

Von einem vordergründigen Spektakel setzt sich das Projekt klug ab und verlangt von den Besucherinnen eine hohe Aufmerksamkeit. Viele Arbeiten werden nicht auf dem Präsentierteller serviert, sondern müssen regelrecht entdeckt werden. Zum Beispiel auf dem Boden: An der alten Holztürschwelle des Eingangs hat die Künstlerinnengruppe »3+x« (Christina Kautz, Simone Neidhard, Uta Pottgiesser) eine sandgestrahlte Glasplatte mit dem Ausstellungstitel angebracht. Die Besucher werden sich dort mit ihren Tritten einschreiben und palimpsestartig ihre Spuren auftragen und überschreiben. 

Wie problematisch eine hohe Besucherfrequenz für die aus dem 18. Jahrhundert stammenden und im Stil des Rokoko erbauten Räume sein können, verdeutlicht Ellen Kobe, die das Projekt zusammen mit Marvin Altner im gemeinsamen Büro »Flora 16« organisiert hat. Im Foyer demonstriert sie in einer Vitrine, wieviel Kondenswasser an einem durchschnittlichen Wochenende durch das Atmen der Besucher abgesondert wird. Coco Kühn macht sich Gedanken um den Getränkevorrat und legt im Kamin ein Depot mit Bierdosenrohlingen an. Die vergoldeten Böden harmonieren perfekt mit dem goldverzierten Raum und könnten auf den ersten Blick als Kamingitter durchgehen. Thorsten Streichardt hat die eigene Gipsbüste mit einer historisch korrekten Perücke aus Hausstaub versehen. Bei gesenktem Blick sind in der Ecke seine kleinen Wollmäuse zu sehen. Käthe Wenzel bestückt den Kaminsims mit kleinen Figuren, die eben nicht aus Porzellan oder Marmor, sondern aus kristallisiertem Zucker gefertigt sind. Elisabeth Sonneck doppelt das Rautenmuster des Bodens im Ballsaal durch lose aufgelegte Kunststoffplatten. Wären nicht hier und dort rotorange Platten eingestreut, könnten sie leicht übersehen werden. Annette Munk trägt im Speisesaal Geflügel- und andere Bratenattrappen aus Textil und Gummi auf, während sich die Schweizer Künstlerin Ruth Handschin Gedanken über die königliche Unterwäsche gemacht hat. Ironische Kommentare, Interventionen und pure Fiktion sind Stilmittel dieses vergnüglichen Projektes, das die Neuen Kammern belebt. 

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Eva Kalwa in: Der Tagesspiegel/Ticket, 12.06.2008.

Bauchpinseleien

Mit leichtem Kitzel dreht sich der Friseurpinsel schnell und sanft über den nackten Bauch. Der kühle Luftzug, den der Autoventilator im Maschineninneren hervorruft, ist besonders angenehm bei dem heißen Wetter: Einmal so richtig gebauchpinselt werden, das ist schön! Das haben die Künstlerinnen Käthe Wenzel und Lisa Glauer oft gehört, als sie Arbeitnehmer und Chefs zu ihren Schmeichel-Techniken im Umgang miteinander befragt und dabei mit einer tragbaren Bauchpinselmaschine verwöhnt haben. Die dabei entstandenen Videos geben einen amüsant-bedenklichen Einblick in die herrschenden Hofierungspraktiken auf dem Arbeitsmarkt. Die Filme sind nun im Projektraum artTransponder anzusehen, genauso wie der noch kastenförmige Prototyp des Schmeichel-Helferleins. Für den mietfreien Ausleihservice Jellibelly stehen - bunt und sexy - neue Formen des tragbaren Servicegerätes zur Verfügung. uch eine münzbetriebene Standversion ist im Einsatz,und wer möchte, kann sich mit Hilfe eines Projektors bei ihrer Benutzung selbst beobachten: ein lustiger, aber nicht immer schmeichelhafter Anblick.

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31. M�rz 2008.

Jay Michaelson: Mixing Heresy and High Fashion:
Levi Okunov Dresses Women Up as Torahs

Last night's hottie-filled fashion show debuting Hasidic Levi Okunov's spring collection was, despite the shvitzing of a hundred Heebs packed into an auditorium, very cool. Kudos to Andy Ingall and the JuMu staff for turning what is often a highly un-cool space into a place where it seemed like something new and sexy was actually happening in real time. Kudos to Melissa Shiff for trancing us out to digital mandalas made of Hebrew letters and sacred objects. And kudos to whoever bought the free vodka. 

But mostly, kudos to Levi Okunov himself, interviewed elsewhere on this site, and ably profiled by Jennifer Bleyer on Nextbook, who fused his Hasidic background and his audo-didactic fashion sensibility to create work that could've been novelty, could've been irony, but actually was art. Would that the vanity projects of some absurdly-funded Jewish narcissists were as careful to avoid the easy temptations of kitsch. What's the difference? Whereas aint-it-cool cultural kitsch is just a snide in-joke, Levi Okunov is actually trying to say something, to make something new. 

To back up a little -- the Sabbatean heresy, which lasted from about 1665 to around 1820 (though there are still hidden Sabbateans today, some of whom are on Facebook) -- was, in large part, a secret mystical movement which laid the groundwork for Hasidism and preserved the antinomian ecstasy of Jewish messianism for over a century and a half. As the name implies, their central object of devotion was Sabbetai Sevi, who in 1666 counted 1/3 of all European Jews as his followers -- but who lost most of them when he converted to Islam rather than die at the hands of the Turkish sultan. 

But devotion to Sabbetai was not the only point of the movement, especially after Sevi's death. Many Sabbateans believed that the redemption had come, and our job was to experience it now, by deliberately transgressing the laws of the old regime -- especially regarding sex. One of their notorious rituals involved having a young girl dress as the Torah, her breasts exposed, while (male) devotees danced around her kissing her breasts. This was, in a sense, a recorporealization. The Torah is itself a stand in for the Shechinah, the feminine aspect of God (a/k/a the Goddess): She wears a beautiful velour dress and a crown, and then at a special time, we take the dress off, open her parchment legs, and with our phallic pointer open her to reveal the secrets that lie between them. 

Many of Okunov's designs are quite similar, placing the garments of the Torah upon a (half-undressed) beautiful woman. I know that Okunov isn't deliberately referencing the Sabbatean ritual (he told me so last night), but I'm struck by the similarity of inspiration. In a sense, both Okunov and the Sabbateans are simply responding to the feminine iconography of the Torah H/herself. But I think there is something more interesting going on in both cases, which is the re-universalizing of the particular, the transcription of the mythic into a realm that is deeper than myth and which underlies the Torah, the Sabbateans, contemporary fashion, and all the other iterations of eros which spiritual and aesthetic souls have devised. 

Sabbateans, after all, are not just finding excuses to have sex; like all heretics, they are believers. Like Okunov, they are moved by beauty and eroticism, see them as gifts from God no less holy than the Torah itself. Okunov's post-Hasidic theology finds God everywhere (he told me that too), not just within the bounds of orthodoxy, and indeed, quite often in exactly those places which traditional law is so afraid of. In the hands of a lesser artist, dressing a woman up in the Torah's clothes would be an act of puerile rebellion. Oh boy, what a thrill, a woman in a Torah crown. But in the hands of a mystic, it is to take seriously the power of sexuality that makes religion worth doing in the first place -- and worth stealing back from the pious. (Not coincidentally, Sabbateanism extended its defiance of gender roles well beyond sexuality; women were in positions of leadership and power in the movement, and were as learned as men, even in the 18th century. Mysticism and liberation don't always go together, but here they did.) In an essay called "Renewal is not Heresy," Rabbi Zalman Schachter-Shalomi, like Okunov a renegade ex-Chabadnik, tried to explain why his form of de-orthodoxed Hasidism was not Sabbateanism. To many of us, he never quite succeeded. Who knows, maybe a kind of neo-Sabbateanism -- here as a stand-in for celebrating the erotic, visceral essence of true religion outside the bounds of traditional law -- is the Jewish renewal that many of us have been looking for. If so, I hope Levi Okunov's designing the costumes. Or lack thereof. 

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Wolfgang Lucke in: Rheinzeitung, 14.01.2008.

Mit Kunst Koblenzer Vorurteile abbauen

Von wegen "schäl' Seit": Käthe Wenzel fokussiert eine Eigenart der Stadt - zwei Ausstellungen 

Mit ihrer zweiten Ausstellung in der Galerie Koblenz-Ost in ehrenbreitstein hat Inhaberin Katrin Seidel einen Nerv des Koblenzer Lebens getroffen. Denn die Berliner Künstlerin Käthe Wenzel betrachtet in ihrer Arbeit "Städtische Gewächse - ein Koblenzer Verpflanzungsexperiment" einmal den Koblenzer hang zur Trennung von linker und rechter Rheinseite. 

Dazu barchte sie an mehreren öffentlichen gebäuden in der Stadtmitte und in Ehrenbreitstein jeweils drei Kunstharzmodelle der festung Ehrenbreitstein einerseits und des Deutschen Ecks andererseits an. Sinn der Aktion war es, die Wahrzeichen der jeweils anderen koblenzer Rheinseite den menschen sprichwörtlich "näher" zu bringen und damit die links- und rechtsrheinischen Stadtteile künstlerisch zu verbinden. 

Katrin Seidel erinnerte in ihrer Begrüßung daran, dass die Stadtentwicklung gerade in Ehrenbreitstein ein heißes Thema darstelle. Die auf beiden Seiten des Rheins bestehenden Vorurteile seien infrage zu stellen. Auch sei zu analysieren, warum der Rhein in dieser Beziehung eine solch trennende funktion habe. Die Bilder der Ausstellung beschreiben das Thema in anderer Art, dort werden großformatige Zeichnungen in Wachs und "Lichtdruck" auf Fotopapier von Käthe Wenzel zum Thema Stadtlandschaften gezeigt. 
Käthe Wenzel erklärt, dass sie die Kooperationsbereitschaft der Koblenzer Behörden völlig überrascht habe. "In Berlin wäre so etwas nicht möglich gewesen." Immerhin habe sie ja Bohrlöcher an öffentlichen Gebäuden anbringen müssen. In einer der Kunst gegenüber so offen eingestellten Stadt mache es richtig Spaß zu arbeiten. 

Käthe Wenzel, künstleirn und Kunsthistorikerin, beschäftigt sich immer wieder schwerpunktmäßig mit dem Thema Stadtentwicklung . Neben Ausstellungen im In- und Ausland hat sie Lehraufträge an der Universität für Angewandte Kunst in Wien und an der International Jacobs University Bremen. Sie lebt und arbeitet heute in Berlin.

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In: Kultu(k)r 12/07.

JelliBelly-Bauchpinselmaschinen-Service

In diesem witzigen, aber auch gesellschaftskritischen Projekt geht es um eine Kulturtechnik, die als Wort zwar vom "Aussterben" bedroht ist, aber in Zeiten von sogenannten prekären Arbeitsverhältnissen, von erhöhtem Druck auf dem Arbeitsmarkt eine zunehmende Rolle spielt. freiwillige Testpersonen unterschiedlicher Herkunft, sozialer Stellungen und Funktionen unterzogen sich im Sommer einer ironisch-witzigen Behandlung mit der Bauchpinselmaschine und ließen sich Stimmungs- und Meinungsbilder "herauskitzeln". Die ausgestellte Videoinstallation zeigt eine Sammlung als launisches Zeitdokument über den alltag inder Provinz. 

Lassen auch Sie sich bauchpinseln! Die stationäre Bauchpinselmaschine mit Münzeinwurf erzeugt Wohlbefinden und Selbstwertgefühl. Sie ist ab sofort im Einsatz.

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In: Ibbenbürener Volkszeitung, 08.09.2007.

Heute schon gebauchpinselt worden?

Vom Bauchpinseln versteht das Team etwas, das gestern Morgen mit der "Bauchpinselmaschine" auf dem Wochenmarkt in Ibbenbüren unterwegs war. "Künstler müssen ständig bauchpinseln," sagen die Berliner Künstlerinnen Käthe Wenzel und Lisa Glauer, die die Idee für ihre Maschine hatten und diese auch konstruierten. "Jellibelly" heißt das rote Gerät mit dem auf Knopfdruck rotierenden Rasierpinsel, das die beiden Frauen entwickelten, die ein Jahr Stipendiatinnen des Kresi-Stipendiums KunstKommunikation im DA Kunsthaus Kloster Gravenhorst sind. Und Jellibelly weckt Emotionen. Freundliche zumeist, denn die Menschen, die gestern von dem Bauchpinsel-Team angesprochen wurden, reagierten zunächst amüsiert, manche ein wenig verunsichert, als vermuteten sie die "versteckte Kamera" hinter der nächsten Ecke. 

Gerade in Zeiten angespannter Wirtschaftslage und vor allem Menschen in rekären Arbeitssituationen oder auch Freiberufler wie zum Beispiel Künstler müssten ständig andere bauchpinseln um etwas zu erreichen, erläuterten Wenzel und Glauer ihre Idee. Der ständige Kampf ums Fortkommen habe Wenzel irgendwann erschöpft und scherzhaft sagen lassen: "Ich will eine Maschine fürs bauchpinseln!" Die Idee gefiel Glauer spontan: "Das machen wir!" Und die beiden suchten sich für die öffentliche Präsentation ihres Prototyps sachkundige Verstärkung. Die Ein-Euro-Jobber Klaus Steltenkamp und Christine Oehler vervollständigen das Bauchpinsel-Team und hatten offensichtlich Freude an dem nicht ganz alltäglichen Job. 

"Ich bin Kaufmann"," so Steltenkamp. So eine künstlerische Peformance sei für ihn einmal etwas ganz anderes. "Das macht mir riesig Spaß." Das Ganze sei aber "nicht nur Jux und Dollerei," stellte das Team klar. Und bei den Kurzinteviews, die das Projektteam mit den Passanten führte, wurden auch der gesellschaftskritische Ansatz, der kommunikative Aspekt und auch der reflexive Charakter der Aktion erkennbar. Bauchpinseln sei ja nicht nur etwas Negatives, erläutert Gerd Andersen, Leiterin des DA Kunsthauses Kloster Gravenhorst. Die meisten jungen Leute sähen das Wort nur negativ, aber für ältere Menschen, die das Wort noch aus dem Plattdutschen kennen, sei es durchaus ambivalent, habe auch eine positive Seite. Jemanden bauchpinseln bedeute, jemandem Wichtigkeit zusprechen, ihm mitzuteilen: Du bist für mich jetzt von Bedeutung. 

Wann wurden Sie das letzte Mal gebauchpinselt? Wann haben Sie jemanden gebauchpinselt, wie und warum? Kennen Sie überhaupt das Wort? Was bedeutet es für Sie? Hätten Sie gern so eine Maschine? - diese und ähnliche Fragen beantworteten passanten gestern auf dem Markt den Künstlerinnen und Mitarbeitern. "Ja, für meinen Chef," lautete eine häufige Antwort. Womit die meisten den Künstlerinnen darin recht gaben, dass es heute immer wichtiger geworden sei, andere zu bauchpinseln, wenn man etwas erreichen will. "Das ist eine Technik, die alle Menschen anwende, das hat mit Hierarchie zu tun," so Wenzel. Dabei werde Arbeit mit Emotionen vermischt. Interessant sei auch die Frage, wie weit das bauchpinseln normale Freundlichkeit sei und wo die Prostitution beginne, so Gerd Andersen. 

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In: Westfälische Nachrichten, 04.09.2007.

Eine Einladung

Eine Einladung zur "contemporary art ruhr" in Essen am 3./4. November hat dem Kunsthaus Kloster Gravenhorst das Projektstipendium KunstKommunikation eingebracht. Eines der Projekte ist die stationäre "JelliBelly Bauchpinselmaschine" der Künstlerinnen Käthe Wenzel und Lisa Glauer, die hier mit Kunst- hausleiterin gerd Andersen und dem stellvertretenden Landrat Bernhard Hembrock zu sehen sind.

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In: Ibbenbürener Volkszeitung, 05.09.2007.

Heute schon gebauchpinselt?

"Wann wurden Sie das letzte Mal gebauchpinselt?" Wer diese Frage hört und dabei einen roten Kasten mit Rasierpinsel sieht, kann sicher sein: Hier ist Kunst am Werk und gleich wird es kitzelig. Käthe Wenzel und Lisa Glauer hatten die Idee für "Jellibelly" - die Bauchpinselmaschine im Handtaschenformat. Die Berliner Künstlerinnen überzeugten damit die Jury im Kunsthaus Kloster Gravenhorst, erhielten ein Stipendium und machten sich an die Arbeit. Wenzel und Glauer haben die ersten Prototypen in ihrem Berliner Atelier gebaut, aus dem anuellen Vorläufer wurde ein voll motorisiertes Modell. 

Seit Anfang August wird nun im Kreis Steinfurt ausprobiert. Während bei der Frage "Wann wurden Sie zuletzt gebauchpinselt?" noch schmunzelnd Schmeichelbeispiele aus Familie und Freundeskreis genannt wurden, war es bei der umgekehrten Frage schon schwieriger. Wer gibt schon gern aktives bauchpinseln zu? Zumindest eines steht fest: im September wird die bauchpinselmaschine an verschiedenen Orten im Kresi Steinfurt zum Einsatz kommen.

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Elvira Meisel-K�mper in: Münstersche Zeitung, 04.09.2007.

Einmal bauchpinseln, bitte!

Die Künstlerinnen Käthe Wenzel und Lisa Glauer werden ab Mittwoch mit ihren Helfern Christine Oehler und Klaus Steltenkamp Bäuche pinseln. Mit der "Jellibelly-Bauchpinselmaschine". Sie werden Menschen ansprechen und sie fragen, ob sie sich bauchpinseln lassen möchten. Dieser kommunikative Aspekt war grund genug, dass die Künstlerinnen dafür ein Projektstipendium des Kunsthauses kloster Gravenhorst in Hörstel erhalten haben.

"Das Wort Bauchpinseln steht auf der Liste der bedrohten Wörter," sagen die Künstlerinen. "Leute unter 30 Jahren kennen diese Wort nicht mehr." was früher bauchpinseln genannt wurde, heißt heute einschmeicheln oder - negativ formuliert - "einschleimen". Während er Aktion wird der Proband in Bild und Ton aufgezeichnet. Zusätzlich wird er in einem Fragebogen befragt nach Aussehen und Qualität des Geräts, welches die Künstlerinnen eigens dafür mit simplen Mitteln entwarfen. Die Ergebnisse fließen in eine Webseite ein, die als virtuell nutzbares Gesamtkunstwerk zusammengestellt wird. Die Bauchgefühle (Belly = Bauch) sind mehr als ein Stimmungsbarometer der Region.

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Elvira Meisel-K�mper in: Münstersche Zeitung, 13.08.2007.

Künstler im Kreis unterwegs

Der "Jellibelly-Bauchpinselmaschinen-Service" der Künstlerinnen Käthe Wenzel und Lisa Glauer geht auf Reisen (wir berichteten). Vom 1. bis 11. September sind die Künstlerinnen im Kreis unterwegs. "Sie bauchpinseln Passanten, Personen aus Politik und Öffentlichkeit, Menschen bei der Arbeit und auf Jobsuche", heißt es in der Ankündigung der Kunstaktion, die eines der Projektstipendien "KunstKommunikation 2007" ist.

Am Samstag, 1. September wird im Kunsthaus der Projektraum mit Videopräsentationen und Modellen der Bauchpinselmaschine der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. am Mittwoch, 5. September, steht das Team ab 10Uhr auf dem markt in Ibbenbüren. Zielgruppe sind Passanten, Kunden, Marktbeschicker. Am selben Tag um 16 Uhr besucht das Team den Kreisausschuss in Steinfurt. Am Donnerstag, 6. September, stehen sie ab 10 Uhr auf dem Markt in Hörstel. Gebauchpinselt werden auch dort wieder Passanten, Kunden, Marktbeschicker. Am Samstag, 8. September, stehen sie am Wewerka-Pavillon in Münster am Aasee um Spaziergänger, Hundehalter und Kunstinteressierte anzusprechen. Am Sonntag, 21. oktober wird mit der Eröffnung der Ausstellung "Kunst in unserer Region" die stationäre Bauchpinselmaschine im Kunsthaus eingeweiht. Sie reagiert nur auf Münzeinwurf und arbeitet ganz ohne das Team.

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Achim Giersberg in: Münstersche Volkszeitung, 11.08.2007.

Die Bauchpinsler kommen

Sie ist das Gegenteil zur Axt im Walde: "Wohlbefinden und Selbstwertgefühl" soll ihre Bauchpinselmaschine erzeugen, hoffen die beiden Künstlerinnen Käthe Wenzel und Lisa Glauer. Drei Maschinen haben die beiden Stipendiatinnen das Kunstklosters Gravenhorst schon fertig, weitere sollen folgen, darunter auch ein stationäres Modell mit Münzeinwurf. Die Technik ist simpel. ein 12-Volt-Ventilatormotor bewegt einen Pinsel, der in etwa einem Rasierpinsel ähnelt, in vertikaler und horizontaler Richtung. Durch Hemd und Pul-lover spürt man das Pinseln nicht wirklich - besser sei deshalb ein entblößter Bauch, meint Käthe Wenzel. Aber das müsse der jeweils bauchgepinselte selbst entscheiden. So oder so werde Distanz überwunden und eine Grenze überschritten, aus einer anfangs eher peinlichen Situation entstünden schnell "interessante Gespräche".

Zusammen mit ihren beiden HelfernChristine Oehler und Klaus Steltenkamp - "Brückenjobber", die der Kreis für Durchführung und Aufarbeitung des Projekts zur Verfügung stellt - haben die beiden Künstlerinnen bereits einen Probelauf vor der Eisdiele in Hörstel absolviert, mit meist positiven Reaktionen, wie sie sagen. So richtig losgehen soll es aber erst vom 1. bis 11. September. Dann wird das Quartett Passanten auf dem Ibbenbürener Markt ebenso bauchpinseln wie Kunden der Kreissparkasse oder die Mitglieder des Kreisausschusses bei ihrer nächsten Sitzung in Steinfurt. Die Reaktionen werden mit Kamera und Mikro-fon festgehalten und später zu einer Video-Installation verarbeitet, die im Kunstkloster zu sehen ist.

"Bauchpinseln" stehe auf der Liste der bedrohten Wörter, erklären die Künstlerinnen. Nicht vom Aussterben bedroht sei jedoch die gemeinte Verhaltensweise: Irgendwo zwischen "schleimen" und "für etwas werben" oder "überzeugen wollen" stehe der Ausdruck. Jobsuche, Auftragsbeschaffung, kundenpflege: Das seien typische Einsatzfelder. Bisher werde stets in individueller Kleinarbeit gebauchpinselt; ihre Maschine mache das nun vollautomatisch und in gleich bleibender Qualität, erklären die beiden augenzwinkernd.

"Ein launisches Zeitdokument über den Alltag in der Provinz," erwartet die Jury, die das Projekt für stipen-diumswürdig hielt. Stimmungs- und Meinungsbilder würden aus den Menschen regelrecht "herausgekitzelt". Dass dem so ist, davon sind Künstlerinnen und Helfer ebenso überzeugt wie Gerd Andersen, stellvertretende Leiterin des Kunsthauses. Mit Ironie und Witz und ohne platten "Zeigefinger" werde hier eine kritische Auseinandersetzung mit dem Zeitgeist geführt, attestiert sie - oder sollte man besser sagen: bauchpinselt? - sie den Künstlerinnen.

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Elvira Meisel-Kämper in: Ibbenbürener Rundschau, 20.02.2007.

Geheimnis der Bauchpinselmaschine

Die neue Ausstellung im Kunsthaus kloster Gravenhorst zeigt die vier Projekte, die in diesem Jahr im Rahmen des Stipendiums KunstKommunikation verwirklicht werden. Darüber hinaus zeigt sie weitere Bewerbungen, di in die engere Wahl gekommen sind. Noch sind sie in der Planungsphase. Bislang erläutern nur text- und fotolastige Schautafeln jedes der eingereichten Werke. Das Interesse steigt jedoch, je intensiver man die Tafeln studiert. 

(...) Unters Volk mischen sich Lisa Glauer und Käthe Wenzel mit ihrer eigens dafür konstruierten, leuchtend roten Bauchpinselmaschine. Freiwillige dürfen sich für ihre Kunstaktion "bauchpinseln" lassen. Alle körperlichen und sprachlichen Reaktionen werden aufgezeichnet und zu einem "launischen Zeitdokument über den Alltag in der Provinz" gebündelt. 

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In: Westfälische Nachrichten, 16.02.2007.

Von Bauchpinselmaschinen und anderen Projekten

Kreis Steinfurt/Hörstel. Die Würfel sind gefallen: Vier Stipendiaten sind bestimmt, deren Projekte in diesem Jahr im Rahmen des Kreis-Stipendiums KunstKommunikation des DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst in Hörstel umgesetzt werden. Sie konnten ihre Ideen im Wettbewerb mit fast 50 Künstlerkollegen durchsetzen. Die Jury-Mitglieder hatten es wahrlich nicht leicht, denn alle beteiligten Künstler hatten ihr Bestes gegeben, um die besonderen Anforderungen dieses Stipendiums zu erfüllen: Kunst in den öffentlichen Raum holen, Kunstinteressierte jeden Alters beteiligen, Kommunikation über Kunst anregen, Kunst als Prozess vermitteln. 

Die umgesetzten Ideen des vergangenen Jahres haben dabei hohe Maßstäbe gesetzt. Das legendäre Tetra-Pak-Boot, die vielbespielte Villa Hörstel oder die akustische Erinnerungslandschaft My private Gravenhorst begeisterten bereits Tausende. Für den zweiten Durchgang von KunstKommunikation waren im November 20 Künstler zur Ideenwerkstatt nach Hörstel eingeladen, um ihre Kunst vorzustellen und dabei den Charme und die Atmosphäre des umgebauten Klosters auf sich wirken zu lassen. Daraus entstanden 13 Entwürfe für Kunstprojekte, die nun gemeinsam mit den Gewinnerentwürfen in einer Ausstellung gezeigt werden. Am kommenden Sonntag (18. Februar) um 12 Uhr wird damit auch das Geheimnis gelüftet um die vier Projekte, die in diesem Frühjahr und Sommer zur Umsetzung kommen werden. Nur die Titel seien verraten: Observatorium Kloster Gravenhorst, Copy und Paste, Tausche Bilder gegen Geschichten und Greifbar Bauchpinselmaschine. 

Wer es ganz genau wissen will, kann die Ausstellung bis zum 25. März zu den üblichen Öffnungszeiten besuchen oder sich am Sonntag (25. Februar) und 25. März, 16 Uhr, die Entwürfe fachkundig erläutern lassen.

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20.02.2007.

Launisches Zeitdokument: Käthe Wenzel und Lisa Glauer kitzeln Spontanes hervor

Gesellschaftskritik und kommunikative Elemente verbinden sich nach Ansicht der jury in diesem Projekt zu einem "spektakulär-subversiven regionalen Feldforschungsprojekt, das im Kontext von kunst, Gesellschaft und politik angesiedelt ist". Käthe Wenzel und lisa Glauer (Berlin) erreichen solches mit ihrer Bauchpinselmaschine, einer Vorrichtung, die den sprichwörtlichen Akt des Bauchpinselns wörtlich nimmt. mit dieser "ironisch-witzigen Prozedur" soll es gelingen, Statements zu Gott und der Welt im wahrsten sinne des Wortes herauszukitzeln. 

"So werden spontane Äußerungen provoziert, die in der abschließenden Sammlung ein launisches Zeitdokument über den Alltag in der Provinz ergeben", heißt es in der Auswahlbegründung der Jury. Projektteilnehmer unterschiedlichster Herkunft, Stellung und Funktionen sowie freiwillige Testpersonen werden zum Rendezvous mit der Maschine eingeladen - auch Verwaltung und Politik weden eingeladen. 

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DA Kunsthaus Kloster
Gravenhorst: Begründung der Jury zur Auswahl des Projekts "Jellibelly-Bauchpinselmaschinenservice"

Der hohe performative Anteil der gesellschaftskritischen Kunstaktion Greifbar von Lisa Glauer und Käthe Wenzel verbindet sich mit kommunikativen Elementen zu einem spektakulär-subversiven regionalen Feldforschungsprojekt, das im Kontext von Kunst, Gesellschaft und Politik angesiedelt ist. 

Die ausgewählten ProjektteilnehmerInnen unterschiedlichster Herkunft, sozialer Stellungen und Funktionen und freiwillige Testpersonen werden in gleicher Weise einer ironisch-witzigen Behandlung mit der Bauchpinselmaschine unterzogen, in dem Stimmungs- und Meinungsbilder "zur Lage der Nation" und der eigenen Befindlichkeit "herausgekitzelt" werden. Die bewusst eingesetzte distanzlose Körperlichkeit dieser offensiven Kunstaktion bricht mit gesellschaftlichen Konventionen im Spiel zwischen Öffentlichkeit und Privatsphäre. So werden spontane Äußerungen provoziert, die in der abschließenden Sammlung ein launisches Zeitdokument über den Alltag in der Provinz ergeben. 

Das Projekt Greifbar spiegelt mit seinen öffentlichkeits- und medienwirksamen Anteilen das programmatische Profil des Kunsthauses in seinem ganzen Spektrum wider. Auch mit diesem Projekt wird DA wieder zu einem Kristallisationspunkt künstlerischen Arbeitens mit großer Ausstrahlung in die gesamte Region, aber auch zum Ort des aktuellen internationalen Kunstdiskurses. Ab Juni gibt es einen öffentlichen Projektraum im DA mit einem Modell der Bauchpinselmaschine Ab September wird es öffentliche Bauchpinsel Einsätzte geben.

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Christian Asbach in: vernissage.tv, 06.10.2006.

Berliner Kunstsalon / Opening Reception

Impressions of the opening of the "Berliner Kunstsalon", September 28, 2006. The Berliner Kunstsalon is an independent, off-mainstream art fair, exhibiting over 200 artists during Berlin's Autumn of the Arts. Princess Hans represents the performing arts at this opening, and the camera spends some time with the photographies of Jan Vanhöfen, Bertram Kober, and Gregor Brandler at the space of "fas" (Fotoakademie Am Schiffbauerdamm, Berlin). Finally we meet Käthe Wenzel, a young object oriented artist who works with sugar, bones, wax, latex and other form(id)able materials. By VTV correspondent Christian Asbach.

Video-Link

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Michael Scaturro in: The Berlin Paper, 31.08.2006.

Nothing but Net

Until 1 September: Net-kit shipped around the world and modified by each recipient hints at humans' role in architecture 

The “Flying Buildings” exhibit at "artTransponder" is a 16-piece, string building kit that was shipped around the world six times and modified by each recipient as he or she saw fit (usually with knots). The resulting shape-shifting, soft work would seem to prove the creator Käthe Wenzel's thesis that “most architecture is soft” and that "cities and buildings are shaped by human needs, tastes, and interaction." Closes tomorrow. (tbp, 31 Aug 2006). 

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Manfred Wolff in: Kunstdunst, 06.08.2006.

Fliegende Bauten landen in der Brunnenstraße

Berlin, die Stadt, die nie ist und immerzu wird und dabei immer neue Inseln von Stilen gebiert, ohne je ein einheitliches Gesicht zu gewinnen, ist der ideale Ort des Abschlusses für das partizipatorische Kunstprojekt "Fliegende Bauten - Flying Buildings" von Käthe Wenzel. Hier wird heute abgerissen, was gestern scheinbar für die Ewigkeit gebaut wurde, morgen umgebaut und ergänzt, was heute als zeitlos schön gilt. 

Netze der Erinnerung 
Käthe Wenzel stellt die Architektur auf den Prüfstand: Ist sie ein Prozess des Werdens, der irgendwann in Starre verfällt oder muss man sie als einen Prozess der fortwährenden Veränderung verstehen, in dem mit immer neuen Beteiligten immer wieder neue Formen, Lösungen, Entwicklungen entstehen? Ihre Methode: sie knüpfte 15 Netze unterschiedlicher Größe aus Paketschnur und schickte diese, in kleinen Segeltuchtaschen, an Freunde und Kollegen in verschiedenen Ländern mit der Einladung, daraus einen Bau zu errichten und den Bauvorgang und das vorläufige Ergebnis zu dokumentieren. So entstand ein kollektives Kunstwerk, das allein in der Erinnerung lebt, denn selbstverständlich wurden die Netze wieder eingepackt und an den nächsten Empfänger gesandt, der nun seinerseits an Ort und Stelle entscheiden musste, was er wie damit macht. 

Meditativer Raum im Raum 
Fliegende Bauten gab es so in Ungarn und in Holland, in der Schweiz, in Australien und Südafrika. Als Abschluss des Projekts zeigt Käthe Wenzel nun eine letzte Realisierung ihrer Arbeit im Projektraum arttransponder in Berlin. Während die vorauf gegangenen Projekte open air abliefen, ist nun ein meditativer Raum im Raum entstanden - eine weitere Alternative zu den Möglichkeiten des Projekts. Ergänzt wird dieser Bau durch Fotos, die bei den anderen Bauten entstanden. Ich hatte einfach Kunstwerke satt, die sich auf ihren Sockel zurücklehnen und sagen: "Sieh mich an, vielleicht erzähl ich Dir was über die Welt - wenn ich Lust habe", und der Künstler steht daneben wie jemand mit einer Standleitung zu Gott. Schließlich ist die Welt etwas, was grundsätzlich kollektiv produziert wird, über die Grenzen der Individuen, der Zeit und der Geographie hinweg, erklärt die 1972 in Aachen geborene Wahlberlinerin.

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wps1: The Bio-Blurb Show, Edition #14. First broadcast February 27, 2006.

The Missing Link - Transitional Forms in Art and Biomedicine

Interview mit Suzanne Anker

Audio-Link

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Susanne Nessler in: Deutschlandradio Kultur, 28.07.2005, 15:10.

Missing Link

Zwischen Kunst und Wissenschaft.

Während sich Schriftsteller immer wieder mit wissenschaftlichen und medizinischen Themen auseinandersetzen, scheint es zwischen Kunst und Wissenschaft kaum Berührungspunkte zu geben. Das Projekt "missing link" will nun den Austausch intensivieren und zeigt, wie Künstler medizinische Themen in ihre Arbeit einbringen und wie Wissenschaftler künstlerisch tätig werden können. Knochen für Knochen reihen sich Flügel- und Schenkelstücke abgenagter Hähnchen zu einer Korsage. Ein Gerippe aus Stoff und tierischem Material. Ein Kleid aus Geflügelknochen. Daneben hängen riesige, tiefrot gefärbte Nervenzellen an der Wand, es folgen Aktportraits, bunte Computermodelle von Eiweißmolekülen. Ein paar Schritte weiter gibt es Muttermilch in Tetrapacks und die Häutung eines Kaninchens als Videoclip zu sehen. 

Eine Ausstellung über, mit und um das Thema Körper. Das Resultat einer einjährigen Zusammenarbeit zwischen Biomedizinern und Künstlern. Organisiert von der Charité und der Universität der Künste in Berlin. Wolfgang Knapp:

"Die Frage war, welche Art von Blick die Biomedizin in der Forschung - gestützt durch Bild gebende Verfahren und technisches Gerät - hat. Und welchen Blick auf den Körper Künstler und Künstlerinnen haben." 

Mediziner haben versucht ihre Arbeit künstlerisch zu betrachten und Künstler haben den Blickwinkel eines Arztes eingenommen. Ein gemeinsamer Versuch zu begreifen, was ein Bild vom Körper alles bedeuten kann. Ingo Bechmann, Arzt an der Charité hat zum Beispiel die riesigen roten Nervenzellen an die Wand gehängt. Er fand die Aufnahmen schon beim Betrachten durch das Mikroskop wunderschön. Aber erst die Zusammenarbeit mit einem der Künstler, der regelmäßig in seinen Anatomiekurs kam, führte dazu, dass Ingo Bechmann die winzig kleinen Nervenzellen auf eine zwei mal zwei Meter große Fläche drucken ließ.

Bechmann: "Bei uns ist das eine alltägliche Erfahrung, dass du irgendetwas gesehen hast unter dem Mikroskop und du guckst ein Jahr später drauf und siehst mehr oder etwas anderes, und du guckst zehn Jahre später drauf und siehst mehr und etwas anders und hast mehr verstanden, und das ist dann natürlich wunderbar, wenn man einen Maler hat, weil wir die Vorstellung haben, der kann doch bestimmt noch viel mehr gucken und der beweist das auch, denn wir versuchen auch zu zeichnen, aber so hätte ich das nie hingekriegt." 

Früher vor 100 Jahren gehörte das Zusammentreffen von Arzt und Maler zum Programm der meisten Hochschulen. Mediziner brauchten Künstler, die ihnen exakte Bilder und Zeichnungen für ihre Lehrbücher lieferten und Künstler brauchten die Ärzte, damit sie ihnen einen Blick unter die Haut in den Aufbau des Körpers gewährten.

Heute operieren beiden Gruppen mit zahlreichen Bildern, unabhängig voneinander - und zwar immer detaillierte und spezifischer. Computertomographien, Endoskope und hoch auflösende Mikroskope liefern exakte Teilaufnahmen vom menschlichen Körper. Was dabei aber fehlt, ist quasi das Bild vom Menschen selbst, von seinem Körper als Gesamtheit, sagt Wolfgang Knapp vom Fachbereich Kunst im Kontext, der Berliner Universität der Künste: 

"Und wenn man die Unterschiede und die Differenzen sichtbar macht, dann gibt man auch dem interessierten Laien die Möglichkeit, sich dieser Komplexität anzunähern und selber weiter zu fragen, ohne nach diesem schnellen Anwendungshungerprinzip zu reagieren, habe ich nicht verstanden kann nicht sein." 

Überraschend für den Betrachter ist, dass die Ausstellungsobjekte der Künstler realer und begreifbarer erscheinen, als die Bilder aus der Forschung. Muttermilch in Tetrapacks stellt einen sehr viel deutlicheren und direkteren Bezug zum Thema Körper her, als es die wissenschaftliche Darstellung von Proteinmolekülen in einer Computeranimation schafft. Der Grund dafür ist, dass in der medizinischen Praxis einfach Vieles ausgeblendet wird, sagt der Künstler Frank Schäpel:

"Mir ist sehr stark aufgefallen, dass auf Funktionen sehr stark geguckt wurde, also wichtig waren eben die Dinge des Körpers, die eine Funktion hatten, die zu Muskelanspannung führen konnten und Körperteile bewegen konnten oder die eine Leitung waren. Und da gab es aber auch andere Sachen, die visuell genauso da waren, die aber weggenommen wurden, weil sie eben nicht diese Wichtigkeit hatten." 

Der Arzt sucht nach der genaue Diagnose, der Künstler will ihre Auswirkung begreifen. In der Gegenüberstellung von Kunst und Medizin werden die unterschiedlichen Blickwinkel und Arbeitsweisen deutlich. Und ebenso die Gemeinsamkeiten. Denn beide Gruppen stehen immer wieder vor derselben Frage: Was sagt ein Bild über den Menschen?

Zwischen großen Kühlschränken mit Zellmaterial in Reagenzgläsern, quietschrosafarbenen Wachsreliefs, Hühnerknochen, roten Nervenzellen und Aktportraits findet man dazu viele Antworten und noch viel mehr Fragen.

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Elena Zanichelli in: Käthe Wenzel: Hausbrot - Mutation der Schwartzschen Villa. Katalog zur Ausstellung. Berlin 2005, S.8-11.

Metamorphosen im Backofen

Zu Käthe Wenzels künstlerischer Praxis der Umordnungen - oder: Die besetzte Villa

Vor etwa eineinhalb Jahren besuchte ich Käthe Wenzel zu Hause. Wir waren zum nachmittäglichen Kaffeetrinken verabredet. Mit Neugier und dem überraschten Blick einer Spätvegetarierin erkannte ich, dass sie bis zu meiner Ankunft damit beschäftigt gewesen war, Entenknochen, die ein chinesisches Restaurant in Prenzlauer Berg für sie aufbewahrt hatte, zu kochen - nachdem sie sie sorgfältig gebürstet hatte. Dadurch hatten sie eine hellere Farbe angenommen. Nachher wurden sie mit roten Seidenfäden an horizontale Stoffbändchen genäht. Mittlerweile hängen die Knochen bis Ende dieses Sommers im Berliner Medizinhistorischen Museum der Charité - allerdings in der eleganten Form eines langen, körperbetonten Abendkleides mit oberem Korsett und Träger. Sie wurden zu einem Knochenkleid (2004) umfunktioniert. Einfacher war es, für die aus einer Aneinanderreihung von Kleidern anderer Sorte bestehende Installation Annäherungsversuche Material zu finden: Es handelt sich nämlich hierbei um selbstgeknotete Gerippe aus Paketschnur. Die an Rohr-Ringen verschiedener Formate fixierten Netz-Geflechte sind seriell gehängt und wirken somit umso dreidimensionaler, quasi wie eine skulpturale Antwort auf Körperfantasien aus den frühen Tagen der Computer-Animation. Aber darf man diese Skulpturen überhaupt Kleider nennen? 

Die Werke von Käthe Wenzel entstehen aus einer Zweckentfremdung des Ausgangsmaterials. Dies geschieht einerseits durch die manuelle Bearbeitung der Gegenstände, andererseits auch durch eine radikale Kontextverschiebung. So etwa bei den von hinten mit Asphaltlack angestrichenen Glasplatten, die durch Pigmentbestreuung zu Schwarzen Spiegeln (2005) mutieren. Sie verlieren teilweise vollständig ihre Ausgangsfunktion als Reflexionsobjekte. Dennoch bleiben sie grundsätzlich als Spiegel erkennbar. Dies bringt die Assoziation einer Grenzüberschreitung des reflektierten Ichs mit sich, wie sie sich beispielsweise bei Lewis Carrols Through the Looking Glass oder Jean Cocteaus Orphée finden lässt. Diese Werke werden zusammen mit anderen Installationen, die speziell für diesen Anlass in direkter Konfrontation mit der Geschichte des 1895 als Sommersitz der Familie Schwartz gebauten Hauses konzipiert wurden, den zehnten Jahrestag des Einzugs des Steglitzer Kulturamtes feiern. 

In der Serie Schwartzsche Villa erscheint das Haus in seinen von Wenzel mit der Hand skizzierten Umrissen auf belichtetem Fotopapier. Durch unterschiedlich starke Belichtungen offenbart die Villa immer neue Stimmungen: Wirkt sie manchmal wie ein düsteres Gespensterschloss, wie aus dem Film The Others, meint man ein anderes Mal einen venezianischen Palazzo im Regen erkennen zu können. Dies geschieht durch die zeichnerische Zweckentfremdung der sonst für das fotografische Verfahren schon im 19. Jahrhundert erfundenen Methode des Cliché Verre (Glasklischeedruck). Mit Hausbrot 1 (Schwartzsche Villa) werden die Konturen der Villa sogar zur Backform. Diese besteht aus Maschendraht, auf die der Teig aus Mehl und Wasser aufmodelliert wird. Im Backprozess (ver)formt sich der Teig jedes Mal auf eine andere nichtvorhersagbare Art und Weise. Die Änderungen, die die Villa im Laufe der Zeit sowohl im Hinblick auf architektonische Strukturen als auch in Bezug auf ihre verschiedenen Nutzungen erfahren bzw. erlitten hat (u.a. diente sie in der Nachkriegszeit als Lager einer Firma) werden so angedeutet. 

Bereits in Werken wie Halber Ernst (Verletztes Brötchen) (2002) wurde ein Alltags- und Gebrauchsgut wie das Brot mit neuen Bedeutungen besetzt und quasi personifiziert. Der heimische Backofen Wenzels wird somit zur "Werkbank" der Künstlerin. Mit dieser neugefundenen künstlerischen Apparatur entstanden bereits Stillleben (2003), die zurzeit im Berliner Botanischen Museum zu sehen sind. Verweist das künstlerische Sujet des Stilllebens ohnehin auf die unvergängliche Ruhe lebloser Gegenstände, so ist der Prozess der Verkohlung im Backofen geradezu eine Antiklimax zu diesem Sujet. Die Karbonisierung bildet hier den äußersten Punkt der Konservierung - an der Schnittstelle zur totalen Vernichtung. In ihrer nicht unironischen Umsetzung ruft die Metamaterialität dieser Werke Marcel Duchamps (allerdings orangefarbene) Sculpture - Morte (1959) in Erinnerung. Auch Bodenbeete spielt mit karbonisierten Gegenständen: Pflanzen, die Wenzel auf Spaziergängen zusammenträgt, werden in verkohltem Zustand in Holzkästen gelegt - Arrangements, die an Grabbeete erinnern. 

Die Vielfalt der Methoden der Materialbearbeitung nimmt bei Wenzel oftmals ihren Ausgangspunkt in der Zweckentfremdung von ephemerem Material. Dies erinnert an (natur)wissenschaftliche Verfahrensweisen der Präparation von Objekten, die dazu dienen, dem/r Betrachter/in einen Blick auf Dinge zu ermöglichen, die ansonsten dem Verfall preisgegeben wären. Spätestens seit dem iconic turn wird ohnehin nicht länger an einer strikten Unterscheidung zwischen technisch-wissenschaftlichen und künstlerischen Bildern festgehalten. So unterscheiden sich die in einer Art tragbaren Setzkasten zur Schau gestellten Körperteile aus Wachs (z. B. Survival Kit für das nächste Jahrhundert, 1999) in der Art der Präsentation kaum von medizinischen Präparaten. Es kommt daher nicht von ungefähr, dass Wenzels Objekte in so unterschiedlichen Institutionen wie der Charité und dem Botanischen Museum sowie der Schwartz'schen Villa zu sehen sind. 

Bedient sich die Künstlerin in diesem Sinne Modalitäten der musealen Archivierung, Inventarisierung und Konservierung, so kommentiert sie damit zugleich die Frage nach der Autorität bzw. Authentizität, die das Museum seinen Exponaten scheinbar per se verleiht. Andererseits gilt die Vorgehensweise Wenzels, Alltagsmaterialien zu verwenden, spätestens seit der Neoavantgarde als Mittel der Infragestellung des modernistischen Kanons. So verwendeten Künstler/innen der 1960er, z.B. die der sog. "Arte Povera" , Substanzen u. a. organischer und pflanzlicher Art. Insbesondere arrangierten die "Neuen Realisten" vorgefundene Alltagsgegenstände sowie Nahrungsmittel zu Installationen (so etwa Daniel Spoerris Tableaux-Pièges), die das Ziel hatten, "sich wieder in das Wirkliche zu integrieren." Doch anders als bei der Neoavantgarde verweisen Wenzels Werke nicht lediglich auf ihr materielles Dasein. 

Die hier entstandenen Objekte sind Allegorien. Aus der Wechselwirkung von bereits symbolisch beladenen Materialien (Brot, Knochen, Pflanzen etc.) und dem jeweiligen Kontext, in den sie gestellt werden, entsteht ein für den/die Betrachter/in fast körperlich spürbares Spannungsfeld. Durch das allegorische Verfahren der Aneignung bereits vorhandener Bilder aus der Kunst- und Kulturgeschichte wird eben diese sowohl paraphrasiert als auch kritisch kommentiert. Bis sie endlich adäquate visuelle Parameter gefunden hat, verformt, kocht, näht und erfindet Wenzel, stets auf der Suche nach alternativen Verfahrensweisen. So freue ich mich immer, sie zum Kaffee zu besuchen, denn man weiß nie, welche Metamorphosen in ihren Backöfen, Kochtöpfen oder Kleiderschränken gerade vor sich gehen.

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Katja Mollenhauer in: strassenfeger, 09/2005. S.19.

Neues Kinomodell auf dem Markt

Kleine Galerie zeigt sehenswerte Ausstellung von Käthe Wenzel

Ich hab ja schon von einigen Kinoformen gehört, aber das Büchsenkino ist mir gänzlich neu. Pornokino, Daumenkino, Schachtelkino, und jetzt die Büchse. Was dahinter steckt, habe ich in der Prenzelberger Galerie kurt im hirsch in der Kastanienallee 12 erfahren. In drei kleinen Ausstellungsräumen, die sich im zweiten Hinterhof verstecken, präsentiert die junge Berliner Künstlerin Käthe Wenzel gleich sechs Lichtspieltheater in Alu-Zylindern. Es hängen immer zwei nebeneinander. Das hat einen Sinn, der sich mir erst nach einigen Minuten erschloss. Zudem ändern sich die Konturen der Bilder, die man in den Büchsen sieht, je nach dem, wie weit man sich von ihnen entfernt.

Es gab aber noch viel mehr zu entdecken. Die originellen Kinos sind nur ein Teil der Ausstellung. Man findet auch vielfarbige Gemälde, die nur aus Wachs bestehen, oder eine pflanzliche Zwischendecke ganz aus Efeu, wo man sich schon vorstellen kann, was für eine wunderbare Dschungelatmosphäre die ins eigene Wohnzimmer zaubern kann.

Dem Büchsenkino ganz ähnlich sind aktenordnergroße Guckästen mit Kurbelbetrieb, in denen Daumenkinos bei fachgerechter Drehung sichtbar werden. Sie symbolisierten für mich den Einblick in kleine Geheimnisse, in einer Zeit, in der alles ins Öffentliche gezerrt wird. Vielleicht ist das nur meine Betrachtungsweise, und die Künstlerin will etwas ganz anderes damit aussagen, aber das macht Kunst ja so spannend. Jeder kann seine eigene Symbolik in den Kunstwerken entdecken.

Der Besuch in der Ausstellung hat schon dadurch Spaß gemacht, dass man fast alles anfassen konnte. Die Exponate lassen sich besser sinnlich erfassen, weil man ihnen beispielsweise auf den Zentimeter nahe kommen oder gar berühren kann, ohne dass eine Sirene oder ein Wachmann Alarm schlägt. Auch die Galeristin hatte immer ein offenes Ohr für meine Fragen. Schade nur, dass der Ausstellungsort - die Galerie kurt im hirsch -, obwohl kein Unbekannter in der Kunstszene, so unscheinbar ist. Da die Vorderhäuser in der Kastanienallee schon allerlei interessante Läden bereithalten, nimmt man die kleinen Hinweisschilder auf interessante Läden in den Hinterhöfen kaum wahr. Vielleicht hilft dieser Artikel ja, das Auge des Kastanienalleeläufers neu zu schärfen.

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B�chsenkinos

Pressetext zur gleichnamigen Ausstellung in der galerie kurt im hirsch

von Akeli Mieland

Käthe Wenzel hat mal wieder eingebüchst: Haare, Kirchen und kulturelle Identitäten. Treten sie ein in Hallen installativer Erfahrung, kurbeln sie sich ihre Ansicht und bilden sie einen Funktionsrahmen. Gehäkelt werden darf nicht, jedenfalls nicht vor Ort. In der Nachlese mag manch Nutzvolles im Geflecht der Erinnerungen hängenbleiben - dagegen ist nichts einzuwenden. Wie immer regen Käthes Werke zu spontanen Gedanken-Assoziationen an. Sie fördern die Lust am Hinschauen, Anfassen, Fühlen, in sich aufnehmen. Der theoretische Hinterbau wird erst nach der Verdauung des Wahrgenommenen offensichtlich.

Zur Installation "Haarchitektur" gehört neben den "Büchsenkinos" und den Fotoplatten weiterhin eine Kathedrale aus Haar, ein Haarzelt für die religionslose Jetztzeit. Schützendes, Abschließendes, Getürmtes, Intimes. Der Raum ist ständiger Wandlung unterworfen, ob in der Architektur oder am eigenen Körper. Auch die "Expedtition ins Landesinnere" hat ihre Spuren hinterlassen. Vorstellungen, Ideen, Gebäude: sie ändern sich schleichend, werden übertüncht, überdauern, werden wiederaufgenommen, bewahrt, zitiert, oder nur unklar erinnert. Wir wechseln unsere Hüllen, unsere Identitäten, und wenn es gar nicht mehr weitergeht, legen wir uns ins Laub und vergessen uns dort. Im Siebenschläfer-Schlaf.

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Westfälische Rundschau, 19.11.2004.

"gerüste" lenken denBlick auf Formprozesse: Kunstverein im Wuckenhof eröffnet heute Ausstellung 
mit Arbeiten von drei Berliner Künstlern

Schwerte. Eine Ausstellung mit Arbeiten von Line Wasner, Käthe Wenzel und Christof Zwiener eröffnet der Kunstverein Schwerte am heutigen Freitag um 20 Uhr in den Räumen des Kunstvereins im Wuckenhof. Unter dem Titel "gerüste" haben die drei jungen Künstler aus Berlin jeweils einen Raum mit ihren Werken eingerichtet. Ihre Werkzeuge reichen von schwarzer Tusche auf weißem Grund über Wachstafeln + Paketschnur bis hin zu einer schwarz-weißen Fadenverspannung zwischen den Begrenzungen eines Raumes. Die "gerüste", die sie bauen, lenken den Blick auf Form und Formprozesse. Auf das Einfangen charakteristischer Momente einer alltäglichen Situation in ihrer Bewegung. Auf die spezifischen Ausprägungen einer kulturellen Norm im Verlauf ihrer Geschichte. Auf die flüchtigen Konturen einer Erinnerung. Das menschliche Maß, die individuelle Vorgehensweise und Akzentuierung der Wahrnehmung dienen den Künstlern jeweils als Richtschnur und Kompassnadel für ihre Analysen. Inhaltlich setzen sie dabei unterschiedliche Akzente. 

Während sich Christof Zwiener in seinen Faden-/Dachlattenkonstruktionen und Videos mit Erinnerungs- und (flüchtigen) Wahrnehmungsprozessen auseinander setzt, wendet sich Line Wasner in ihren Zeichnungen zwischen Malerei und Graphik dem Alltäglichen zu. Ihre Untersuchungen von Straßenszenen, Möbelkatalogen und Klappstühlen erfassen seismographisch genau das diffizile Zusammenspiel zwischen Form und Formauflösung in seiner Bewegung. In den Arbeiten von Käthe Wenzel werden diese Fragestellungen aufgegriffen und historisch verortet. Gleichsam wie eine kulturwissenschaftliche Präparatorin untersucht die Künstlerin das Zusammenspiel von individuellen Lebensformen und kulturellen Denk- wie Handlungsmustern. Kulturhistorische Strukturen werden sichtbar und die subtilen Ausprägungen ihrer Normvorgaben erfahrbar. 

In ihrer Auseinandersetzung mit Form und Formprozessen erforschen Line Wasner, Käthe Wenzel und Christof Zwiener Wege und Möglichkeiten, das Zusammenspiel solcher Strukturmomente zu erfassen und für die Betrachtung greifbar zu machen. Ihre Analysen bieten Anhaltspunkte - gerüste - für ihre Betrachter, den so skizzierten Fäden nachzugehen. 

Zur Ausstellung erscheint ein 12-seitiger Katalog mit zahlreichen Farbabbildungen.

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Melba Ferrer in: El San Juan Star, 02.10.2004.

Bestias de peso cultural

No se preocupe que ellos estaban combatiendo temperaturas extremas, desde el sofocante calor de la calle al aire acondicionado del interior, según iban de una jurisdicción a la próxima en el Viejo San Juan. Vienen desde Alemania con sus cargas. Y están dispuestos a cargar a cualquier otro también. 

Sabine Schlunk, Emil Gropoz, Anke Kalk, Sonja Hartmann, Käthe Wenzel, Peter Woelck y Niklas Goldbach, son un grupo de jóvenes artistas contemporáneos con sede en Berlín quienes estarán desplegando "One to Carry the Other´s Burden" ("Uno para cargar el peso de otro"), una exhibición que comienza el martes en la noche a las 7:00 en la alcaldía de San Juan, como parte de las presentaciones de Noche de Galería en el Viejo San Juan. 

El espectáculo ofrece una buena idea de las actuales tendencias de arte en Alemania, ellas también revelarán eso, pero este también revelarán eso, pero este también demuestra que no importa de dónde vienen, artistas de todo el mundo están preocupados sobre la mismas cosas. Invitado poer el Museo de Arte e Historia de San Juan, y auspiciado por el Istitut für Auslandsbeziehungen, el grupo ha estado trabajando durante más de un ano en su proyecto, el cual envuelve todo desde meditar sobre la identidad y el sí mismo, a la memoria. 

"Uno para cargar el peso de otros" es una frase bíblica. "Pero no somos un grupo religioso", manifesta Gropoz, quien junto con Schlunk, Kalk y Hartmann se encontraban en la Isla para la exhibición. "Tomamos este tema y trabajamos, no en una forma religiosa. Lo comprendimos como un problema moderno". Trabajando durante un ano en el tema, el grupo trató de aclarar su significado y determinar lo mucho o lo poco que una persona puede llevar el peso de otros. Claro está, para cada uno significó algo diferente. "Es más una expresión sicologíca", manifiesta Schlunk sobre la interpretación de ella de la frase. "Siento que es más un asunto de empatía. Es una expresión sicológica con mi propia filosofía, también." 

El tema del espectáculo llega en un momento en que los alemanes están pensando sobre sus identidades. "Se ajusta bastante bien", senala Gropoz. "Tuvimos esta unficación hace 15 anos. Tuvimos cambiar nuestros puntos de vista y renunciar a muchos." Kalk está de acuerdo, destacando que lo que una vez fue Alemania Oriental permanece menos desarollada, a pesar de la unificación. Las discrepancias permanecen todavía allí. "La discusión es porque ello no resultó", manifiesta ella. Ambos lados de una ahora unificada Alemania - en una ocasión separadas por décadas - se están cuestionando su sentido de identidad. "Mi país y ano existe", anade Schlunk, "Es una mezcla de dos sociedades, al igual que Puerto Rico". "Sin embargo no hacemos trabajo político", anfatiza Hartmann. "One to Carry the Other´s Burden" se presentará durante seis semanas. 

(Übersetzung: Es macht ihnen nichts aus, dass sie mit extremen Temperaturen kämpfen müssen, aus der erstickenden Hitze der Strasse in die klimatisierte Luft drinnen, während sie sich von einem Bezirk von Alt San Juan in den anderen bewegen. Sie kommen aus Deutschland, beladen mit Gepäck. Und sie sind bereit, es allen anderen aufzuladen. Sabine Schlunk, Emil Gropoz, Anke Kalk, Sonja Hartmann, Käthe Wenzel, Peter Woelck und Niklas Goldbach sind eine Gruppe von Künstlerinnen und Künstlern mit Sitz in Berlin, die "One to Carry the Other´s Burden - Einer trage des Andern Last" eröffnen werden, eine Ausstellung, die am Dienstag Abend um 7 im Rathaus von San JUan eröfnnet, als Teil der Veranstaltungen der Nacht der Galerien in Alt-San Juan. 

Die Veranstaltung vermittelt eine gute Vorstellung von den aktuellen Tendenzen der Kunst in Deutschland, auch dies, aber vor allem zeigt sich dass, gleich, woher sie kommen, die Künstler und Künstlerinnen sich auf der ganzen Welt mit ähnlichen Dingen befassen. Eingeladen vom Museo de Arte e Historia de San Juan, unterstützt durch das Institut für Auslandsbeziehungen, hat die Gruppe seit mehr als einem Jahr an dem Projekt gearbeitet, das alles umfasst, vom Nachdenken über die Identität und sich selbst bis zur Erinnerung. 

"Einer trage des Andern Last" ist ein Bibelzitat. "Aber wir sind nicht religiös," erklärt Gropoz, der sich zusammen mit Schlunk, Kalk und Hartmann zur Eröffnung auf die Insel gekommen ist. "Wir haben dieses Thema ausgesucht und dazu gearbeitet, aber nicht in religiöser Form. Wir haben es als modernes Problem aufgefasst." Während ihrer einjährigen Auseinandersetzung mit dem Thema veruschte die Gruppe, seine Bedeutung zu verstehen und auszuloten, inwieweit jemand die Last des Andern tragen kann. Natürlich bedeutete das für jede und jeden etwas anderes. "Es ist mehr psychologisch,§ erklärt Schlunk ihre Interpretation des Zitats. "Ich empfinde das mehr als eine Angelegenheit des Mitfühlens. Es ist eine psychologische Interpretation auch miener eigenen Philosophie." 

Das Thema der Veranstaltung trifft auf einen Moment, in dem sich die Deutschen Gedanken über ihre Identität(en) machen. "Es passt ganz gut dazu," sagt Gropoz. "Vor 15 Jahren hatten wir die Vereinigung. Wir mussten unsere Standpunkte überdenken und uns von vielen verabschieden." Kalk stimmt zu, und führt aus, dass das ehemalige Ostdeutschland wirtschaftlich noch immer weniger entwickelt ist, trotz Wiedervereinigung. Die Unterschiede bestehen noch immer. "Es wird diskutiert, warum das so ist," sagt sie. Beide Seiten des wiedervereinigten Deutschland - nach jahrzehntelanger Teilung - stellen ihre Identität in Frage. "Mein Land existiert nicht mehr," fügt Schlunk hinzu. "Wir haben jetzt eine Mischung aus zwei Gesellschaften, wie in Puerto Rico." "Trotzdem machen wir keine politische Kunst," betont Hartmann. "One to Carry the Other´s Burden wird sechs Wochen lang zu sehen sein.

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Martina Kramer in: Fränkische Landeszeitung, 17./18.10.2004.

Kunst-Stoff mit Humor "Berliner Landpartie" in der Rothenburger Kulturbrauerei:

Elf Künstler aus der Hauptstadt präsentieren ihre Arbeiten

ROTHENBURG - Wie es aussieht, wenn Großstädter eine "Berliner Landpartie" machen, davon kann sich der Besucher der Kulturbrauerei ein lebhaftes Bild zeichnen. Dort zeigen 11 Künstler aus Berlin ab heite für eine Woche (täglich 14 bis 19 Uhr), ihre Arbeiten. Ein abwechslungsreiches Abendrogramm gibt es außerdem. 

Wenn Künstler reisen und was für Vorstellungen sie damit verbinden, zeigt diese Schau. Wie eigentich wirken Bilder vor einer völlig anderen Kulisse? Rothenburg mit seinem mittelalterlichen Charme bietet sich als perfektes Kontrastprogramm zur Hauptstadt an. Ein Gedanke, der offenbar inspiriert, gefördert von jenen, die beides kennen. So etwa der Rothenburger Waldemar Olesch, der seit einem halben Jahr in Berlin weilt. Verknüpfungen und Austausch sind ihm wichtig, genauso wie dem Organisationsteam der Kulturbrauerei. Fäden spinnen sich weiter zur Berliner Schaltstelle Nele Probst, die viele der hier ausstellenden Künstler zum Mitmachen animiert hat. 

Mit Erfolg, denn einige der gezeigten Arbeiten sind extra für diese "Landpartie" gestaltet worden. So zum Beispiel der Rucksack von Andreas Kotulla, der schwarz-weiß direkt auf die Wand gemalt worden ist. Ein ausuferndes Gepäckstück, da der Großstädter ja nie weiß, was er in der wilden Natur alles brauchen wird. Vielleicht braucht er auch "nichts". Ein relativer Begriff, der überall in unserer Sprache auftaucht, mehr oder weniger gedankenvoll verwendet. Christian H. Cordes macht sich ein Spiel daraus, indem er das Wort astets aufs Neue an unerwarteter Stelle der Ausstellung auftauchen lässt. Kurzes Innehalten und Grübeln sind da erwünscht. 

So etwa, wie es auch der Hungrige vor dem Kühlschrank tut. Meist mit vernebelter Wahrnehmung, weil vom Bedürfnis getrieben. Daraus ergeben sich Makros, vergrößerte Ansichten von Details. Lisa Glauer lässt sie plastisch werden mit ihren poppig bunten Features von scheinbar banalen Alltäglichkeiten wie Joghurtbechern, Eiswürfeln oder Milchtüten. Dabei sei jedoch aufgemerkt, denn der deutsche Tetrapack kann sich vom US-amerikanischen erheblich unterscheiden. 

Nele Probst reizt der Kontrast zwischen Dtadt und Land - vor allem in ihrer Malerei. Graue Eintönigkeit gegen bunte Heiterkeit, gehalten in einer Handschrift, die bisweilen an Comics erinnert. Kein zwingend naturalistischer Ansatz, sondern bewusste und zugleich ironisierende VBerfremdung, die den Blickwinkel des Betrachters hinterfragt. 

Dagegen präsentiert sich Alex Gern mit seinen Farbgüssen puristisch. Im Vordergrund steht das vollkommene Erleben eines Pigments, eingefangen in kleinen, monochromen Kacheln. Farblose Gewänder aus Paketschnüren, durchsichtig, filigran aber doch ausgeformt sind Käthe Wenzels Faible. Das Begreifen von Form anhand eines dreidimensionalen Rasters ist ihr Thema. Den Körper, das Ausmalen, das Füllen ist Sache der Betrachter. 

(...) Nichts ist also, wie es sich darstellt - zumindest auf den ersten Blick. Darauf hinweisen will diese Ausstellung. Sie tut das humorvoll, verspielt, offenherzig. Kunst zu erfahren ist ihr Anliegen, bis man sagen kann: "Dem ist nichts mehr hinzuzufügen".

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In: Fränkischer Anzeiger, 19.07.2004.

"Dokumenta-Anklänge" im Brauhaus-Gemäuer

ROTHENBURG - Es war ein Kultur-Wochenende voller Termine. Das Besondere daran: alle hatten einen guten Besuch. Besonders aber freute man sich bei den Initiatoren des Kulturbrauhauses über den gelungenen Auftakt und ein von rund 200 zahlenden Gästen besuchtes Rock-Konzert mit zwei Spitzenbands. Rothenburg machte seinem Ruf als Kulturstadt dank der Initiative Einzelner alle Ehre! "Das macht Mut!" konnte da Walter Meile am gestrigen Sonntagnachmittag eine erste positive Bilanz ziehen. Nach dem schwachen Echo auf die letzte Ausstellung gelang es diesmal das Publikumsinteresse stärker zu wecken. Nur eine Woche lang sind die vielseitigen Arbeiten von elf Berliner Künstlern zu sehen, hinzu kommen noch drei Abendveranstaltungen (siehe Info-Kasten). 

Was in der mittelalterlichen Stadt der Traditionen lange vermißt wurde, hält mit dem Kulturbrauhaus zeitweise Einzug: Modernes, Alternatives, Avantgardistisches und Denkanstößiges. Der Gang durch die vom Brauhausteam in Eigenleistung ausstellungstauglich gemachten Räume, erstmals auch im Obergeschoß, vermittelt ein bißchen Dokumenta-Gefühle. Der Ankündigungstext bestätigt sich dem Betrachter, vorausgesetzt er ist aufgeschlossen unvoreingenommen, nimmt sich Zeit und läßt Räume und Werke wirken: "Bilder und Zeichnungen, verfremdete und befremdliche Objekte und Installationen eröffnen die Möglichkeit, die Fantasien spielen zu lassen, gedankliches Neuland zu betreten!" 

Ob es die im Raum schwebenden transparenten Körper aus Schnurgerippe der Künstlerin Käthe Wenzel sind, ob es die Umsetzung des "Nichts" als abstraktes Konzept in provokanter Schlichtheit von Christian H. Cordes ist oder ob man sich als Besucher gleich im wahrsten Sinne des Wortes "in die Seile hängt" und damit in ein experimentelles Audio-Klangfeld von Marco Riedel (Schüler von Horst Antes) eintaucht - ständig konfrontieren einen die Künstler mit Neuem und wer sich darauf einläßt, dem wird der Rundgang zum anregenden Kulturerlebnis.

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Humboldt. Die Zeitung der Alma Mater Berolinensis, 14.04.2004, S.10.

"Ante Portas?" - Wir packen unseren Koffer...

Die kleine Humboldt-Galerie (KHG) steht an einem Wendepunkt. Seit 1978 fanden in 176 Ausstellungen Gemälde, Zeichnungen, Fotografien, Skulpturen, Installationen und diverse Performances ihren Weg in die Ausstellungsräume der KHG. Seit Februar 2003 ist der Galerie jedoch ihr Ausstellungsraum, der hohe helle und vor allem bewachte Flur des Rechenzentrums, abahnden gekommen, denn dieses zog nach Adlershof. Die Kleine Humboldt-Galerie packte ihre Koffer...

Als neue Ausstellungsstätte ist der Lichthof im Ostflügel gedacht - dieser muss jedoch zuerst umgebaut werden. Der mit einem Glasdach versehen Lichthof wurde zu Beginn der 20er Jahre des 20. Jahrhunderts gebaut, er bildete den Übergang zwischen dem offenen Flügel des alten Palais und den vom Architekten Ludwig Hoffmann 1914-1922 errichteten Erweiterungsbauten. Der Lichthof wurde zunächst als Schalterhalle genutzt, die schon damals zu den Kassenräumen der Universität führte. Er wurde im zweiten Weltkrieg durch eine Bombe zerstört. In den Folgejahren wurde der Raum mit einem nicht sachgerechten Pappdach versehen, was den Brandschutz jedoch gefährdete. So wurde 2001 beschlossen, in Anlehnung an die frühere Gestaltung, den Lichthof wieder herzustellen. 2002 begannen die ersten Bauarbeiten. Die Kassenräume wurden saniert. Dann stoppte der Senat die Gelder. Seitdem bemühte sich die Technische Abteilung um die Fortführung der Arbeiten. Aber erst jetzt - im April 2004 - wurden die Gelder für 2005 freigegeben. Somit wird erst Ende 2005 der KHG wieder ihr eigener Galerieraum zur Verfügung stehen. Bis dahin nutzt sie gern die Möglichkeit, ihre Ausstellungen im Foyer des Hauptgebäudes zu präsentieren. Das Foyer als ein unbewachter, öffentlicher Raum verändert jedoch einschneidend den Charakter der Ausstellungen, denn aus Sicherheitsgründen schließt sich die Präsentation von Originalen weitgehend aus, so dass die Galerie auf Kopien bzw. Fotos angewiesen ist. Die KHG muss ihre Koffer erneut packen...

Thematisch waren in der Vergangenheit die verschiedenen Projekte einzigartge Gratwanderungen, die jeweils neue Möglichkeiten boten, über das Verhältnis von Kunst, Kultur und Wissenschaft zu reflektieren. In der 177. Ausstellung wird deutlich, warum die Galerie als wissenschaftlich-kulturelles Schaufenster der Humboldt-Universität zur Öffentlichkeit die Kulturlandschaft Berlins auf einmalige Art ergänzt. Einen originellen Überblick über diese Arbeit der vergangenen 25 Jahre gibt der neue Katalog der Galerie, welcher auch Teil der Präsentation ist. Die KHG bildet nicht nur ein Forum für junge Kunst und thematische Ausstellungen, sondern fungiert auch als ein Bindeglied zwischen akademischer Ausbildung und zukünftiger Berufspraxis. Die 177. Ausstellung beabsichtigt, die singuläre Position und Bedeutung der KHG innerhalb der Universitätspraxis zu verdeutlichen. Es werden exemplarisch Ausstellungsprojekte der Vergangenheit besprochen und gleichsam ein Einblick in das umfangreiche Archiv der Galerie gewährt. Außerdem werden Modelle sowie ein Film zum Lichthof den zukünftigen Ausstellungsraum vergegenwärtigen. Computeranimierte, dreidimensionale Grafik ergänzen diese und zeigen Visionen einer zukünftigen Nutzung des Raums.

Da die Austellung mit Objekten der Künstlerin und promovierten Künstlerin Käthe Wenzel, die sich der Grenzüberschreitung von Kunst und Wissenschaft als Thema widmet, im Foyer nicht adäquat umgesetzt werden kann, werden u.a. wenigstens Teile dieser geplanten Präsentation gezeigt. Mit dieser Ausstellung verbinden wir auch die Hoffnung, dass sich neue EnthusiastInnen für die Arbeit der Galerie interessieren.

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In: Schwerter Rundschau, 15.09.2003, S.1..

Nachdenken über den Raum hinaus

Schwerte. Nicht fassen konnte der Kunstverein bei seiner Vernissage am Freitagabend die Schr der Gäste, die sich in den Wuckenhof drängte. "raum.raum.raum." ist die jüngste Schau überschrieben, die im Kunstverein und im Stadtgebiet Spuren hinterläßt. Eine Aussage ist vielen Arbeiten gemein: Die Grenzen zwischen Architektur und Kunst sind fließend.

So mag der auf grauem Grund über der Eingangstür platzierte Text die Aufmerksamkeit der Besucher auf sch lenken bevor sie anklingeln um in den Kunstverein eintreten zu können. Man fühlt sich an Inschriften im Gebälk über den Türen von Fachwerkhäusern erinnert. Sie beinhalten Segenssprüche, Angaben zur Baugeschichte der Häuser oder Hinweise auf ihre Bewohner. Auch in der Schwerter Altstadt findet man solche Beispiele.
Im Innern des Wuckenhofs zieht ein kleines Modell, das sich bei genauem Hinsehen als maßstabsgetreuer Nachbau des Kunstvereins erweist, die Blicke auf sich. So eröffnet der Nachbau gleichermaßen einen Einblick in das Zusammenspiel der drei Ausstellungsräume als Betrachtungsrahmen für die Kunst.
Gleich nebenan wird der Raum zur imaginären Bühne und Garderobe: Da fällt der Blick auf ein aus Knochen genähtes Korsett, das auf einem Kleiderbügel von der Decke hängt. In seiner Aussteifung bildet es auf seine Weise einen Raum im Raum. Ein korsett, in das man gedanklich hineinschlüpfen kann um zu erforschen, wie man sich darin wohl fühlen mag.

Ergänzt wird die Schau im Wuckenhof durch weitere Ausstellungsräume in der Innenstadt. "Wir freuen uns sehr darüber, daß wir die Evangelische Kirchengemeinde von St. Viktor, vertreten durch Pfarrer Claus Marquard, sowie die Geschäftsleute Astrid Schade, die Buchhandlung Schmidt uns Foto Conradi als Kooperationspartner für unser Projekt gewinnen konnten. Sie alle haben es der Künstlerin Käthe Wenzel ermöglicht, ihre Arbeiten auch an anderen, für sie relevanten orten auszustellen," sagte Silke Ettling in ihrer Begrüßung. Die junge Schwerterin, dei Kunstgeschichte in Berlin studierte, hat erstmals eine kuratorische Begleitung für den Schwerter Kunstverien übernommen.

Mit Grazyna Wilk, betonte Silke Ettling, konnte eine Künstlerin für die aktuelle Ausstellung gewonnen werden, die bereits im Frühjahr dieses Jahres beim Wettbewerb "Wasser in der Stadt" mit einer Arbeit vertreten war, für die sie den 2. Preis bekommen hat. Ihr Brunnen soll nach Möglichkeit realisiert werden. Gespräche werden soeben zwischen der SEG - Schwerte und der Künstlerin geführt.
"Die Mitarbeit von Ines Tartler," leitete Ettling zur dritten Künstlerin über, "war uns insofern besonders wichtig, da sie mit ihrer Arbeit konkret auf die Situation vor Ort Bezug nimmt und damit auch die Frage stellt, wie sich der Kunstverein am Wuckenhof als Ausstellungsort in das Gesamtgefüge der Stadt einbindet." 

Dem Verein liege viel an der Zusammenarbeit mit anderen kulturprägenden Institutionen und Orten der Stadt, betonte die Kuratorin. Durch die Mitarbeit von Pfarrer Marquard, Judith Neumann und Peter Blaschke vom Jugendamt, der Eintrachtschule, der VHS, Martina Schulte von der Malschule, Marc Wittershagen von 5,4 und Nachtwächter Uwe Fuhrmann sei es gelungen, ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm zur Ausstellung anzubieten.

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In: Schwerter Zeitung, 15.09.2003, S.1.

"Orten" gibt Orten neuen Sinn.

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In: Schwerter Rundschau, 15. September 2003, S.1.

Was macht der Grüne Mann in St. Viktor?

Spannendes Rahmenprogramm zur aktuellen Ausstellung - Auftakt am 26. September

Schwerte. "An den Grenzen ist viel Platz" so ist der zweitägige Workshop überschrieben, der am 26. und 27. September den Auftakt zum Rahmenprogramm zur aktuellen Ausstellung "raum.raum.raum" macht. Ausgangspunkt sind die raumbezogenen Arbeiten der drei Künstlerinnen. Die Kursleitung hat Silke Ettling, Kuratorin der Ausstellung. Der Workshop wird in Kooperation mit der VHS und Malschule angeboten.

Was hat es mit dem "Grünen Mann" in St. Viktor auf sich? Und mit dem geheimnisvollen Buch, aus dem das Grün sprießt? Die Arbeiten der Künstlerin Käthe Wenzek nehmen Bezug auf Kirche und Raum. Am Dienstag, 30. September, laden Silke Ettling und Claus Marquard von 19 bis 20 uhr zum Gespräch in die Marktkirche ein.

"Ich bin ein Teil der Nacht" heißt es am 2. Oktober. Ab 19 Uhr geht Nachtwächter Uwe Fuhrmann wieder seine Runden. Auf seinem Weg durch die historische Altstadt erzählt er auch die Geshcichte von der Burg.

Zu einem theologisch-kulturhistorischen Vortrag laden claus Marquard und Silke Ettling am 9. oktober um 19:30 in St. Viktor ein. Ein Ausstellungsgespräch steht am 12. Oktober um 15:30 im Kunstverein auf dem Programm. Ebenfalls im Kunstverein wird am 14. oktober um 19:30 der Film "39 Häuser in 45 Jahren" reflektiert, in dem die Künstlerin Ciska Bogmann die Geschichte ihrer Familie aufzeigt. Die bezog in 45 Jahren 39 Häuser, kaufte, baute um und verkaufte wieder und lebte dabei in den Niederlanden, in Australien, in Deutschland und in Spanien.

Zur Finissage am Freitag, 17. Oktober, sollen noch einmal gemeinsam mit den drei Künstlerinnen die Räume genossen werden. Lassen Sie sich überraschen!

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In: raum.raum.raum. Katalog mit CD zur gleichnamigen Ausstellung im Schwerter Kunstverein 2003. Mit Arbeiten von Ines Tartler, Grazyna Wilk und Käthe Wenzel, kuratiert von Silke Ettling. Berlin 2003. S. 3-10.

raum.raum.raum

von Silke Ettling

Seit 17 Jahren engagiert sich der Kunstverein Schwerte unter Leitung von Ulfried Weingarten darum, zeitgenössische Kunst in Schwerte zur Diskussion zu stellen. Zunächst ab 1987 in der Kampstraße zu Hause, konnten 1995 die neuen und mit großem Einsatz der Mitglieder hergerichteten Räume im Wuckenhof bezogen werden. Dort stehen dem Kunst-verein seither drei großzügig geschnittene Räume für seine Aktivitäten zur Verfügung. Mit ihren weißen Wänden und dem grauen Fußboden entsprechen sie dem heute üblichen Bild eines neutralen Ausstellungsraumes, der eine möglichst störungsfreie Betrachtung von Kunst gewährleisten soll. Wie neutral aber kann ein Raum sein, unauffällig und von daher zu allem passend, an keine Interessengruppe gebunden, aufgehoben in seiner Wirkung und in seinem Einfluss auf das darin zur Anschauung Gebrachte? Als das hier skizzierte Projekt erste Formen annahm, dachte ich zunächst noch nicht an das Thema Raum. Eher an einzel-ne Konstellationen, die sich aus der Präsentation der ausgewählten künstlerischen Positionen im Zusammenspiel der drei Räumen entfalten ließen. Der Titel zur Ausstellung hat sich erst im Verlauf des Projektes im Dialog mit den drei Künstlerinnen herauskristallisiert.

Entstanden ist ein Gefüge aus drei spezifischen Angeboten, über die Beschaffenheit und die Bedeutung von Raum nachzudenken. "schließlich", so ein Text von Ines Tartler, "liegt eine der äußeren unserer in der das aufwirft, an dem gezeigt wird. Es verhält sich weil das selbst sich ohne präsentiert und der durch nichts ablenkt. Es ist das als, das zum wird, bezogen auf den, an dem gezeigt wird." Auf grauem Grund über der Eingangstür platziert, wird der Text vielleicht die Aufmerksamkeit der Besucher zunächst auf sich lenken, bevor sie anklingeln, um eintreten zu können. Dort verortet, erinnert das Geschriebene an Inschriften im Gebälk über den Türen von Fachwerkhäusern. Oft sind es Segenssprüche, die in das Holz eingra-viert wurden, Angaben zum Bau des Hauses oder Hinweise auf seine Bewohner. Auch in der Schwerter Altstadt finden sich solche Beispiele. Als die Künstlerin im Frühjahr von Berlin nach Schwerte reiste, um den Ort der Ausstellung kennen zu lernen, ist sie auch in diesem Teil der Stadt umhergegangen. Was aber möchte diese Aufschrift vermitteln? Für eine An-kündigung ist sie zu wenig konkret, eher scheint sie etwas zu beschreiben, das unbestimmt bleibt, eine Behauptung, die sich entzieht, auf das Innere des Hauses ebenso verweisen kann, wie auf die Rolle des Kunstvereins als ein Ort des gedanklichen Austausches im Ge-füge der Stadt - und auf den Besucher, der kommt, um herein zu schauen.

Vom Flur öffnet sich der Blick in zwei Richtungen. Durch den Zugang zum mittleren Raum wird die Aufmerksamkeit auf einen zweiten Raum gelenkt, der in den größeren hineingebaut wurde. Auf der anderen Seite des Flures behindert eine Schwingtür die freie Sicht auf den dahinter liegenden Raum. Beim Eintreten wiederholt sich der Eindruck des Verborgenen. Vorhänge, von außen vor die Fenster gehängt, machen es dem Besucher unmöglich, einen Blick nach draußen zu werfen. In die Atmosphäre des Verborgenen mischt sich ein Gefühl des Privaten, ein auf das Innere konzentrierter Raum, in dem man sich möglicherweise unbeobachtet fühlt, bis einer der Vorhänge von außen angehoben wird oder der nächste Besucher durch die Schwingtür tritt. Zu sehen gibt es weder Objekte noch Bilder. Zwischen Schwingtür und Vorhängen entfaltet sich stattdessen eine spannungsreiche Grundkonstella-tion verschiedener Eindrucksmomente, die den eintretenden Besucher an die Nahtstelle von Innen- und Außenraum führt.

Nährt die Abgeschlossenheit des Innenraumes das Bedürfnis, darüber hinaus zu gehen, wecken die Vorhänge außen die Neugier auf das dahinter Verbor-gene. Im Innern bleibt der Betrachter auf sich und den Raum konzentriert, zwischen beiden entwickelt sich eine Grundkonstellation des Betrachtens, die von den Texten an den Wänden aufgegriffen wird. Sie bieten Anhaltspunkte, in dieser Richtung weiterzudenken, über die im Innern entstandene Wahrnehmungssituation wieder hinaus zu gehen. Zwischen Konzentra-tion und Öffnung wird das Orten von Raum zu einem fließenden Prozess, in dem sich einzel-ne Wahrnehmungsmomente zu einem beweglichen Geflecht von Eindrücken verdichten. Die angebotene Wahrnehmungssituation ist ihrerseits das Ergebnis eines solchen Prozesses. Nach ersten Gesprächen in Berlin folgte die Reise nach Schwerte, um den Ort der Ausstel-lung näher kennen zu lernen. Die beim Umherstreifen durch die Stadt und in den Räumen des Kunstvereins gewonnenen Eindrücke von der spezifischen Situation vor Ort bilden das Material, mit dem Ines Tartler ihren Beitrag zu dieser Ausstellung erarbeitet hat. Hervorge-gangen aus den Nahtstellen dieser Eindrücke ist eine Raumsituation entstanden, die die Grenzen zwischen Architektur, künstlerischer Arbeit, Kunstraum und öffentlichem Raum in der Wahrnehmung des Betrachters ineinander fließen lässt. "schließlich liegt eine der äus-seren unserer in der das aufwirft" - schließlich?

Beim Eintreten in den mittleren Raum eröffnet sich dem Besucher eine andere Ausgangssi-tuation. Hier sind die Fenster nicht verhangen, der Blick kann frei zwischen innen und außen hin- und hergleiten, so dass die Eindrücke ungehindert ineinander fließen können. Unweiger-lich tritt man dabei irgendwann auf einen der vielen Klebestreifen auf dem Fußboden. Folgt man der Struktur aus Streifen, ergibt sich der Grundriss eines Gebäudes, der exakt in den Grundriss des mittleren Ausstellungsraumes eingefügt worden ist. Während man aus der Vo-gelperspektive auf den Plan hinunterschaut, tappt man zwischen den aufgeklebten Raumein-heiten hin- und her und kann Maß nehmen. Auf der Basis dieses Grundrisses ist eine der darin enthaltenen Raumeinheiten in den Ausstellungsraum hineingebaut worden. Bei einer Wandhöhe von 1,20m bietet der kleinere Raum den Besuchern mit entsprechender Körper-größe die Möglichkeit, von oben in den so umbauten Raum hineinzusehen. Dahinter befindet sich ein kleines Modell, das sich bei eingehenderer Betrachtung als maßstabsgetreuer Nach-bau des Kunstvereins erweist. Reduziert auf die Grundmaße der Räume eröffnet der Nach-bau einen modellhaften Einblick in das Zusammenspiel der drei Ausstellungsräume und auf die Brückenfunktion des mittleren, verortet zwischen den beiden anderen.

Zwischen den Po-sitionen von Ines Tartler und Käthe Wenzel hat Grazyna Wilk eine Installation entworfen, die von der Bedeutung des Raumes als architektonischer Grundeinheit ausgeht. Im Blick auf eine möglichst variable Nutzung der Räume () definiert Architektur den funktionalen Rahmen für das, was sich später in ihr entfalten soll. Für den Ausstellungsraum gilt hier nach Maß-gabe des aktuellen Kunstbetriebs noch immer die Vorgabe, den Raum in seiner Wirkung und in seinem ästhetischen Einfluss auf die Präsentation von Kunst möglichst zurückzunehmen. Die Architektur als möglichst verborgener Betrachtungsrahmen für die Kunst? Im Gefüge dieser Ausstellung kann Architektur an der Verbindungsstelle zwischen den beiden anderen Positionen ihren eigenen Raum besetzen. Während sie sich in den beiden angrenzenden Räumen als Bestandteil eines komplexen Beziehungsgefüges in die jeweilige Wahrneh-mungssituation einfügt, eröffnet sie im mittleren Ausstellungsraum eine Konstellation des Betrachtens, die Architektur als funktionale und ästhetische Ordnung erfahrbar macht. Die Grenzen zwischen Architektur und Kunst sind auch in diesem Raum fließend.

Von hier aus gelangt man in den dritten Ausstellungsraum. Der Sichtachse folgend, fällt der Blick auf ein aus Knochen genähtes Korsett, das dort auf einem Kleiderbügel von der Decke hängt. In seiner Aussteifung bildet es auf seine Weise einen Raum im Raum. Das auf Maß geschneiderte Kleidungsstück aus Stoff und Knochen provoziert das Bild eines eingeschnür-ten Körpers, der auf diese Weise in eine ideale Form gebracht werden soll. In den Gedanken an eingezwängte Organe mischt sich das Bedürfnis, das Korsett zu berühren, seine Schnüre zu lösen, um dem imaginären Körper Luft zu schaffen, vielleicht auch, um ihn zu enthüllen. Die Vorstellung an einen Körper verbindet sich in irritierender Weise mit dem ausgestellten Korsett, das von der Decke hängende Objekt wird zu einem tragbaren Kleidungsstück, in das wir gedanklich schlüpfen können, um zu erforschen, wie man sich wohl darin fühlen mag. Der Ausstellungsraum enthält weitere Kostümobjekte. Es gibt einen Haarnisch und ein Kleid mit Moosbewuchs, ein Hexenhemd, einen zweiten Flug-versuch und die Fischhaut: ein paar Füße aus Latex zum Überziehen, die griffbereit oder abgelegt an der Wand hängen. All diese Einzelstücke sind sorgfältig und auf Maß gearbeitet.

Sie präsentieren sich als künstlerische Objekte und erwecken gleichzeitig den Eindruck tragbar zu sein, vorausgesetzt, dass man die richtige Konfektionsgröße hat. Vielleicht sind es ja auch die abgelegten Kleider einer nicht greifbaren Person, die dem Betrachter zum gedank-lichen Rollenspiel angeboten werden? Ergänzt werden sie durch Objekte wie das in kleinen Glasflaschen aufbewahrte Wimpernpaar einer Diva oder das eingerahmte Brusttoupé unter Glas. Sie wirken wie die kostbaren Überreste einer Person, auch wie Ersatzteile, sorgsam konserviert und ausgestellt, wie es Praxis in medizinhistorischen Sammlungen ist. Auch sie fordern uns heraus, dass Bild zu ergänzen und werden damit wie die Kostümobjekte in un-serer Vorstellung zu Stellvertretern für ein Individuum, einen spezifischen Charakter oder eine Rolle, in die man schlüpfen kann oder hineingedrängt wird, die man ablegen oder sich aneignen möchte, und die uns als Gestalten aus Dichtung, Kunst und Musik seit Jahrhunder-ten vertraut sind. Im Ausstellungsraum miteinander arrangiert, treten sie in einen vielschichtigen Dialog zueinander. Das einzelne Kunstwerk wird zu einem Teil des Raumes. Wie auf einer imaginären Bühne werden historisch gewachsene Rollenbilder miteinander arrangiert und auf ihr jeweiliges Verhältnis von Kleidung, Körpergefühl und Selbstbild befragt. Dem Betrachter bieten sie Variationen von Identität, die gedanklich durchprobiert werden können.

Der Ausstellungsraum wird damit selbst zu einer Variation. Er ist zurückgenommener Betrachtungsrahmen, imaginäre Bühne und Garderobe in einem - ein Angebot, über die Wandlungsmöglichkeiten von Identität und Rollenbildern nachzudenken. Raum wird hier in vielfältiger Weise zu einem gedanklichen Bezugspunkt für die Arbeiten. Als Ausstellungsraum er-wachsen aus einer eigenen Tradition des Sammelns und Präsentierens bietet er die Möglich-keit, sich auf das künstlerische Einzelwerk bzw. die in ihm geschaffene Wahrnehmungssituation zu konzentrieren, die ihrerseits den Blick auf Bezugspunkte lenkt, die über den künstlich geschaffenen Betrachtungsrahmen hinausweisen. Bezugnehmend auf historische Rollenbil-der und Traditionen sind sie an verschiedenen Orten denkbar. Der Kirchenraum übernimmt hier eine besondere Schlüsselfunktion, da er die jahrhundertealte Prägung der europäischen Kultur und Identität durch die christliche Glaubenslehre verkörpert. Das dort während der Ausstellung gezeigte Apokryphen-Buch verweist hierauf, indem es den Blick auf das Verborgene lenkt, das vormals nicht in den Kanon der Heiligen Schrift aufgenommen wurde. Erwei-tert wird der Bezug zum historischen Ort durch die Einbeziehung der Schaufenster eines Modegeschäftes und einer Buchhandlung, in deren Auslagen während der Ausstellung weitere Arbeiten zu sehen sein werden. "Leg Deine Kleider ab, leg Deinen Körper ab. Häng sie hin-ter die Tür. Freiheit für eine Nacht. Hier ist, wo die Geschichte beginnt - ein neuer Anfang, immer ein anderes Ende." architektonischer raum. ausstellungsraum. öffentlicher raum. historischer raum - Raum, so ein Gedanke dieser Ausstellung, entwickelt sich an der Nahtstelle solcher Bezüge. Die abge-steckten Grenzen sind fließend und in unterschiedlichsten Konstellationen denkbar. Raum als eine in ihren Koordinaten nicht fest begrenzte Ausdehnung, ein für jmdn., etw. zur Verfügung stehender Platz = ein Freiraum?

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Heike Fuhlbrügge in: Käthe Wenzel: Apokryphen. Objekte 1999-2003. Berlin 2003. S. 3-5.

Mind the Gap!

Ein revisionistisches Konzept im Werk von Käthe Wenzel.

Käthe Wenzels Arbeiten beweisen eine verblüffende ikonografische Sicherheit. Wie im Suchscheinwerfer fokussieren sich in ihren Werken Ideen und Motive der Humaniora ebenso wie humorvolle Scharaden, doch scheint die Enträtselung dieser Zitate und Topoi weniger durch Analyse als vielmehr in einer Synthese weitläufiger Denkräume möglich zu sein. Verwirrend anspielungsreich und vielschichtig treffen Werktitel wie Liber Floridus, Codex I-III und Stilleben I, als Insignien kulturellen Wissens mit Artefakten und Materialien wie Haaren, Latex und Knochen aufeinander.

Widerspruch und Zweifel evozieren diese Arbeiten, deren organische und anorganische Stofflichkeit gleichsam zu haptischen Trägern abgründigen Humors und spielerischer Revision der Termini werden, wie beispielsweise das Multiple Schwammige Begriffe (Objekt, 2002) veranschaulicht. Titel und Kunstobjekt wirken dichotom, wenn aus einem geschwärzten, aufgeschlagenen Buch ein kräftiger Büschel Gras herauswächst und dies mit der Bezeichnung Apokryphen belegt wird. Motiv- und Spurensuche im kulturellen Vorratslager zwingt damit das Gedächtnis auf Hochtouren. Welches Buch ist gemeint? Das Buch der Natur? Oder findet sich hier ein Bezug zu Schlegels Vergleich des Universums mit einem Buch, so als würden wir in einem „kolossalen Roman„ leben?

Dieses Buch des Lebens, das sich aus Zufällen und Fragmenten zusammensetzt, verbunden mit dem Gras, das für ewige Wiederkehr des Lebens steht. Ist das Werk also absichtslos aneinandergereiht, eine Geschichte ohne Anfang und Ende, indem jedes Fragment einen „Entwurf der Welt„ (Novalis) beinhaltet, ähnlich der Frage des Florestan in Ludwig Tiecks Roman „Franz Sternbalds Wanderungen„: Muss alles ein Ende haben? Offene, nichtlineare und mehrstimmige Strukturen hinterfragen hier die Logik, die aufgelöst scheint und gerade sich daraufhin neu zusammensetzt. Der Betrachter wird mobil, gerät auf eine innere Reise, auf der gesellschaftlich geprägte Kodierungen und Systeme sich als Trugbilder erweisen.

Venus mit Fäusten: von der vita contemplativa zur vita activa Die Zuckerpuppe ist ein kleinplastischer Abguss der Venus von Milo aus feinkristallinem, weißen Zucker. An ihren Torso sind die aus Wachs nachgebildeten Arme des David von Michelangelo geschnürt. Als Stereotype ist die Venus das Sinnbild für Weiblichkeit, das die kulturelle und soziale Konstruktion eines Frauenbilds in der Gesellschaft bis heute bedient. Sie ist das „fragment érotique„, das im Kanon von Eros, Melancholie und Tod mitschwingt. Im kulturellen Kontext erscheint sie heute mehr als ein „ästhetisches Urphänomen von Ambivalenz„ (Adorno), von Schmerz und Sexus, während sie früher als schöpferische Potenz der Göttin gesehen wurde. Ihr Fragment steht als Metapher des Unvermögens zur Handlung, das kontemplative Innerlichkeit kennzeichnet. Diesen Mangel begreift Käthe Wenzel als Chance, an zementierten Vorstellungen zu rütteln: Wer möchte nicht die wehrhaften Arme des Davids besitzen, der einen Riesen bezwang?

Im Kombinieren von typisch weiblichen und männlichen Fähigkeiten lösen sich festgefügte Identitäten auf. Gleichzeitig wird der David von seiner politisch, machtvollen Rolle als Symbol kampfbereiter Bürgerschaft demontiert, statt dessen das Prinzip Weiblichkeit um ein Handlungswerkzeug bereichert. Der Werkstoff Zucker unterstreicht das revisionistische Konzept, in dem der kanonische Materialbegriff abgelöst wird durch ein süßes Nahrungsmittel, das einerseits stets von Auflösung bedroht, andererseits zählebiges Konservierungsmittel ist. Archivierung und Verwandlung, Grenzen und Auflösungsprozesse sowie Schein und Authentizität bilden hier die Parameter eines „anything goes!„, des Grundsatzes von Paul Feyerabend gegen die „Sucht nach geistiger Sicherheit in Form von Präzision, Objektivität und Wahrheit.„

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In: taz 18.Juni 2003, S.28.

Naturverbunden II

Der Verdacht, daß Natur momentan eine ziemlich angesagte Thematik künstlerischer Arbeit zu sein scheint, gab Anlass, 13 internationale Positionen zum Thema "Naturbeobachtungen" zu versammeln. Die Arbeiten müssen trotzdem nicht immer nach der Natur gemacht sein. Sie können, wie bei Hans Martin Sewcz auch eine Konstruktion aus verzinkten Kohleschaufeln aus DDR-Bestand sein, die im Foto dennoch wie ein seltsamer Aronstab aussieht.
Käthe Wenzel freilich schlägt ganz konkret das Buch der Natur auf - und siehe da, es wächst Gras über die (Druck-)Sache. Und Jeongmoon Choi sieht Garn als Regen.

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Nina Samuel in: K�the Wenzel: Apokryphen. Objekte 1999-2003. Berlin 2003. S. 3-5.

Schwarzhandel

Diven sind eine rare Spezies. Ihr hochmütiger Blick erweckt Ehrfurcht und Begierde. Käthe Wenzel hat den Blick der Diva medusenartig gebannt und in Essig gelegt (Diva, 2002). Die langen Wimpern in Glasampullen sind melancholische Zeugnisse verblühter Schönheit, haltbar gemacht für die Nachwelt. Analog dazu bewahrt sie Pflanzen in Honiggläsern vor ihrem Verblühen (Botanikersouvenir, 2003) - unterstreicht so aber nur noch deutlicher ihre Vergänglichkeit. Unschuld oder Verdorbenheit? Man kommt ins Zweifeln, denn neben den Blüten befinden sich Indizien und Tatwerkzeuge eines Verbrechens, ebenfalls in Honig eingelegt (Vergangene Gewalttat a-d, 2002). Und auf dem Tisch liegt nur noch verbranntes Obst (Stilleben, 2003).
Käthe Wenzel ist eine Archivarin menschlicher Obsessionen, die in ihren ironisch-morbiden Konservierungen nachhallen, so wie ihr Stilleben aus verbranntem Obst noch von der Hitze des Ofens zeugt. Man befindet sich an einem bizarren Tatort, der wie ein modernes Memento Mori von der Glut vergangener Leidenschaften kündet. Wenzel präsentiert Reliquien einer aktualisierten Passionsgeschichte, die mit wohlplatzierten semantischen Schnitten die kulturellen Übereinkünfte und Standards hinterfragen. Ihre Kostümobjekte sind Konsum- und Heilsversprechungen (Wundertäterhemd, 2002). Sie operieren an der Schnittstelle zwischen kriminalistischer Autopsie und der herben Poesie der Archive, zwischen aufgeschobener Verwesung und chirurgischer Sakralität. So wie ihr von Gras überwuchertes Buch (Liber Floridus, 2003) seine Geheimnisse nur bruchstückhaft preisgibt, so sind alle ihre Objekte verrätselte Spuren, die uns auf verschlungenen Wegen in einen neo-barocken Garten zwischen Mythos und Wissenschaft entführen.

Die heilige Genoveva wurde als Frau des Volkes bezeichnet, war das Kind armer Bauern und blieb zeitlebens jungfräulich - eine Diva stellt man sich so sicher nicht vor. Bei Käthe Wenzel wird sie zum Gespenst aus Kunsthaar (Genoveva-Phantom, 2003). Gibt es heute noch wahre Diven? Vielleicht entdeckt man sie auf dem Schwarzmarkt der konservierten Leidenschaften zwischen Honiggläsern und verbranntem Obst.

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In: New York Arts Magazine, Januar 2003.

Im Bauch von Ost-Berlin

Die galerie kurt im hirsch zeigt junge Künstler in Berlin-Prenzlauer Berg

In Prenzlauer Berg gibt es viel zu entdecken, insbesondere rund um den U-Bahnhof Eberswalder Straße, wo früher die Mauer verlief und die Stadt an ein abruptes Ende kam. In alten Läden und Erdgeschosswohnungen, wo die Mieten noch gering sind, zwischen und hinter den Cafés und Restaurants haben sich alle Arten kleiner Läden, Werkstätten, Ateliers und Galerien eingenistet. Eine davon ist die galerie kurt im hirsch im zweiten Hinterhof der Kastanienallee 12, einem Gebäude aus den 1890er Jahren, das sich sein angeschlagenes Ostberliner Aussehen bewahrt hat.

Die drei Räume im Erdgeschoss sind von einer Gruppe tatkräftiger junger Kunsthistoriker und Künstler entdeckt und renoviert worden, die dort ihre Arbeiten ausstellen oder ihre Fähigkeit als Kuratorinnen und Kuratoren unter Beweis stellen wollen. Wie viele andere in Berlin fühlten sie sich wenig inspiriert von dem, was sie in den kommerziellen Galerien in Mitte und West-Berlin zu sehen bekamen - während sie andererseits nur zu gut wussten, wie viel neue und aufregende Kunst in Berlin von jungen Künstlern aller Nationalitäten fortwährend produziert wird. Die galerie kurt im hirsch ist seit vier Jahren aktiv und hat jungen Künstlerinnen wie Saskia Hetzer aus den Niederlanden, Christina Giakoumelou aus Griechenland und Ulrike Gamst oder Käthe Wenzel aus Berlin erste Einzelausstellungen ermöglicht.

Bis Ende Februar zeigt kurt im hirsch die schrillbunten Bilder von Jim Avignon. Inspiriert vom Stil und den charakteristischen Gesten der Comic-Kunst, untersucht der Künstler die Verwicklungen und Rückschläge des menschlichen Daseins und das Streben nach Glück - das, wie wir alle wissen, allzu oft zu komischen oder tragischen Situationen führen kann. Avignon lässt die Gegenstände in seinen Bildern selbst menschlich werden: Rollende Särge, danebenschießende Revolver, ein Buch, das einen Striptease hinlegt, Computer, Kühlschränke und Wolkenkratzer erzählen vom Leben, von Ordnung und Chaos. Dies passt gut in die Räume der galerie kurt im hirsch in der unausgesetzt sich wandelnden und verändernden Umgebung von Prenzlauer Berg.

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Susanne Lenze in: Neues Deutschland, 25. Oktober 2002.

Vielfache Fernsucht

Eine Ausstellung in der Schönhauser 167c

Dicke Luft. Es riecht nach Auto. Ein VW, 20 Wasserkannister, eine Tonne Sand und ein größeres Stück "Haut" sind in dem Zimmer. Stinkendes Urlaubsauto, Meer, Strand und Sonnenbrand - Urlaub rargestellt von Kostüm- und Bühnenbildner Till Kuhnert. In einem anderen Raum hängen Fischhaut-Füße aus Nylon und Latex, Farbton: cosmetic oder beige. Das Kostümobjekt wurde von Käthe Wenzel entworfen. "Hier wird eine Sehnsucht dargestellt, eine Utopie, in eine andere Haut schlüpfen zu wollen," sagt Nele Probst, bildende Künstlerin und Mitorganisatorin der Ausstellung "167c - Fernsucht".

Vom 15. November bis 15. Dezember werden 22 bildende Künstler in den Zimmern, Gängen und Treppen in der Schönhauser Allee 167c in Prenzlauer Berg ihre Arbeiten zum Thema zeigen. Parallel zur Exposition läuft ein Kulturprogramm mit Literatur, Musik, Performance und Film. Bis zu 80 internationale Künstler aller Genres werden sich dabei präsentieren, unterstützt vom Kulturlabel Kook, einem Netzwerk zur Gegenwartskunst.

Wer durch das Haus von Zimmer zu Zimmer läuft, dem eröffnen sich Urlaubsassoziationen, es entstehen Natur- und Umgebungseindrücke oder welche zum Wirtschaftsfaktor Tourismus, beschreibt Nele Probst das Projekt. Die Räume beherbergen Installationen, Malerei, Fotografie und Videoarbeiten. Sorge bereitet den Künstlern jedoch die Finanzierung des Projektes. Etwa 2500 Euro fehlen den Organisatoren noch, um die Werbung, den Internetauftritt, Versicherung und Materialkosten zu begleichen.

Fluggesellschaften, Reiseveranstalter oder Unternehmen, die mit dem Reisethema werben, erteilten den Künstlern eine Absage. Zeitgleich zur Ausstellung wird die Tanzkompanie MS Schrittmacher im nahe gelegenen DOCK 11 ihr neuestes Werk "Warum in der Ferne" aufführen.

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Von Lucas Elmenhorst.

Zuckerpuppen

Eröffnungsrede zur gleichnamigen Ausstellung in der galerie kurt im hirsch in Berlin-Prenzlauer Berg vom 8. September bis 6. Oktober 2002

Als Zuckerplastik erhält Venus von Milo (Zuckerpuppe IV - Prothesenvenus, Objekt, 2002), die auf dem Transport von Rom nach Paris ihre Arme verloren haben soll, von Käthe Wenzel ihre Arme zurück. Die kämpferisch geballten Fäuste erweisen sich als Wachskopien der Arme von Michelangelos David, deren Befestigungen zugleich zu Fesseln werden.

Wenzels Anliegen sind Körper und Identität. Die Körper sind jedoch oft abwesend oder nur als Fragmente präsent und werden zu Schwammigen Begriffen (Multiple, Objekte, 2002), wie in einer Antikensammlung präsentierte Köpfe im Zustand der Auflösung oder Metamorphose. Wenzels Kostümobjekte laden ein, die eigene Identität abzustreifen oder bieten fragwürdige Ersatzhäute an, wie das prächtige Federkleid des Flugversuchs (Objekt, 2002), dessen Fasanenfederfragmente aber zu kurz sind, um damit davonzufliegen, oder wie die Füße der Fischhaut (Objekt, 2002), die lose in ihrer Haut an der Wand baumeln und auf neue Benutzer warten. Es ist Zeit, alte Zöpfe abzuschneiden, die dann als Ophelia-Trophäe (Objekt, 2002) aufgelöst in einem großen Glasfiasco im Wasser schwimmen.

Ein Verletztes Brötchen (Objekt, 2002) zeigt unerbittlich seine klaffende, blutrote Bißwunde, die dem Betrachter nicht mehr aus dem Sinn geht, und entzieht sich unter seinem Glassturz einer eindeutigen Einordnung als Ware, Reliquie oder Exponat. Das Egebnis ist verspielt, verwirrend, morbide und ästhetisch.

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Jessica Ullrich in: Ullrich, Jessica (Hg.): Wächserne Identitäten. Figürliche Wachsplastik am Ende des 20. Jahrhunderts. Katalog zur Ausstellung im Kolbe-Museum. Berlin 2002. S. 62-63.

Käthe Wenzel

Käthe Wenzel benutzt Wachs als Substitut für Fleisch, womit sie sich auf eine lange Tradition in der Kunst- und Kulturgeschichte stützen kann. Ihr Motiv ist der menschliche Körper als Fragment. Das Körperfragment steht der Vorstellung von der Intaktheit und Integrität des Körpers entgegen, unterstreicht seine Verletzlichkeit und impliziert physische Gewalt, Unterdrückung und den Verlust einer einstmals imaginierten Einheit. Wenn Menschen als bloße Fragmente dargestellt werden, können sie als ihrer Identität beraubt und dadurch entmachtet erscheinen. Außerdem spiegelt sich in Darstellungen von bruchstückhaften Körpern die Erkenntnis wider, dass heute keine gültigen Ideen eines „authentischen" Körpers mehr darstellbar sind.

In ihrer Gleichförmigkeit erinnert beispielsweise eine Serie von wächsernen Füßen nicht nur an die modernen Körperkopierversuche der Gentechnologie, sondern auch daran, dass Wachs traditionell als Kopiermedium gilt. Serielle Herstellung und liebevolle Handarbeit sind in Wenzels Abgussarbeiten ebenso vereint wie enzyklopädisch aufgearbeitete Naturwissenschaft und pseudoreligiöser Souvenirkitsch. Die Verfremdungen, die durch Einfärbung des naturalistisch abgegossenen Wachses entstehen, machen auf den Abstand zwischen Original und Kopie aufmerksam.

Wenzels tragbarer „Ersatzteilkoffer" mit jederzeit verfügbaren, austauschbaren Brüsten, Ohren, Händen und Herzen spielt weniger auf Duchamps „La Boîte en Valise" an als auf Auswüchse des heutigen Körperkultes und die fragwürdigen Errungenschaften moderner Schönheitschirurgie und Prothesenmedizin. Die Illusion, man könne Körperteile nach Bedarf einfach austauschen, wird mit der beigelieferten, unbrauchbaren, da chinesischen, Gebrauchsanweisung Lügen gestraft. Dass die inneren Organe aus Abgüssen tierischer Körperteile entstanden sind, ist nur folgerichtig: Wird doch schon lange das Schweineherz menschlichen Patienten transplantiert. Das Fleisch ist eine Kategorie, die alles Lebendige teilt. Der Körper wird in Käthe Wenzels Wachsobjekten auf drastische Weise auf seine vergänglichen Elemente reduziert – allerdings nicht ohne die Frage nach etwas Dauerhaftem zu stellen, das über die fleischliche Existenz hinausweist. Es ist denn auch der schmale Grat zwischen lebendem und totem Fleisch, der Wenzel interessiert. So möchte sie ihre wächsernen Fleischstücke auch als künstlerische Kommentare zur Materialismus-Idealismus-Debatte verstanden wissen. Einem naturalistischen wächsernen Lammrücken, den sie mit Federn ausstattet, gibt sie den Titel „Himmelfahrt", um Vorstellungen über die Auferstehung des Leibes zu hinterfragen. Ebenso wie Paul Theks Arbeiten, in deren Nachfolge Wenzels Fleischstücke zu lesen sind, erinnern solche Objekte an aufwändig verzierte religiöse Opfer wie auch an Reliquien.

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In: Brandenburger Woche, 27. Januar 2002.

Adam und Eva in der Druckwerkstatt

Heute: Workshop im Haus Gartenstra�e

"Galerie um 4" heißt es auch in diesem Jahr wieder im Kulturzentrum Haus Gartenstraße in Nauen. Der Auftakt der Veranstaltungsreihe im neuen Jahr ist am heutigen Sonntag, den 27. Januar, um 16 Uhr. Innerhalb der Kunstausstellung "Käthe Wenzel: Le Grand Bleu: Angebote zum Verkleiden", die derzeit in der Galerie des Hauses zu sehen ist (BRAWO berichtete), bietet der Kulturverein Haus Gartenstraße einen Workshop an. In einem Künstlergespräch gibt Käthe Wenzel zunächst Auskunft zu ihren Arbeiten, insbesondere zu den beiden fragmentierten Holzschnittarbeiten im Tragekoffer "Adam und Eva" nach Lucas Cranach.

Anschließend unternehmen die Teilnehmer des Workshops gemeinsam mit der Künstlerin eigene "Ausflüge" in die Kunst des Holzschnitts. Jeder erstellt einen Druckstock aus Birnenholz, wie schon Albrecht Dürer. Krönender Abschluß ist der Druck eines Gemeinschaftskunstwerks aller Beteiligten.

Material und Werkzeug werden gestellt. Mitzubringen ist lediglich gute Laune. Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Der Eintritt kostet 5 Euro, ermäßigt 3,50 Euro. Auch das Galerie-Café ist heute geöffnet.

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In: Märkische Allgemeine Zeitung, Kulturkalender, 15. Januar 2002.

Le grand bleu - Angebote zum Verkleiden bietet
Käthe Wenzel im Kulturzentrum Haus Gartenstra�e

Käthe Wenzel hat ein Faible für ausgefallene Kleidungsstücke, die sie mit Nadel und Zwirn kaum wahrnehmbar verfremdet. Aus historischen Schnitten entstehen eigenwillige Korsagen und Gewänder. Der andere Teil der Ausstellung gleicht einem Raritätenkabinett: aufgespießte Fische oder angsteinflößende Wachsabgüsse in verglasten Schaukästen.

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Helga Labenski in: Berliner Morgenpost, 15. Januar 2002.

Blaue Stunde im "Blauen Haus"

Das Nauener Haus Gartenstra�e gilt als Oase in kultureller W�ste.
Die Galerie macht derzeit "Angebote zum Verkleiden".

Am "Blauen Haus" kann niemand vorbeigehen. Die im auffälligen Blaun getünchte Fassade mit den ockergelben Fensterläden leuchtet entlang der Bundesstraße nach Velten von weitem aus dem einheitsgrau der sonst von Zweckbauten und Plattensiedlung geprägten Ausfallstraße. Sehr zum Ärger von Heimatkundlern ist das "blaue Haus" zum Synonym geworden für den Komplex des Kulturzentrums Haus Gartenstrasse. Denn eigentlich war das kleine Haus nur Nebengebäude des ehemaligen Lazaretts aus dem 18. Jahrhundert, das sich die Musik- und Kunstschule Havelland und der Verein "Haus Gartenstrasse" seit der Restaurierung der historischen Gebäude vor zehn Jahren teilen.

Sonntag, zur blauen Stunde im Kulturzentrum "Blaues Haus". Ausstellungseröffnung im Haus Gartenstraße. Es geht familiär zu. Besucher der Vernissage haben ihre Kinder mitgebracht. Die lauschen mit offenen Mündern den melancholischen südamerikanischen Liedern, die Maria Beierlein de Gutierrez, begleitet von ihrem Mann Daniel, singt. Man kennt sich. Die junge Künstlerin, die an diesem Tag ihre Werke präsentiert, fällt im Gedränge kaum auf. Ungewöhnliche Objekte hat die Aachenerin Käthe Wenzel geschaffen. Wächserne Herzen oder Federn. Den Devotionalienschrein eines Stierkämpfers - alles in Schaukästen wie in einer Raritätensammlung drapiert. Kleider, Blusen und Korsagen, angelehnt an historische Vorbilder, aber durch wenig alltägliche Materialien verfremdet.

Natürlich spielt auch hier wieder die Farbe Blau eine Rolle. Unter dem Titel "Le Grand Bleu" macht Käthe Wenzel Angebote zum Verkleiden. Dafür, dass ein Korsett aus Entenknochen mit 720 Euro (1400 Mark) viel teurer ist als ein ganzes Kleid mit Knochenkorsage für 283 Euro (550 Mark) hat die 29jährige Wahlberlinerin eine entwaffnende Erklärung. "Die Korsage möchte ich eigentlich gar nicht verkaufen. Nur wenn es wirklich viel einbringt."

Permanente Geldsorgen hat auch das Kulturzentrum Haus Gartenstraße. Der Kreis als Träger der Einrichtung verlangt eine Beteiligung der Stadt - aber die ist pleite. Um die Zuschüsse müssen die Organisatoren von Jahr zu Jahr wieder bangen. "Wir hoffen natürlich, dass uns das erhalten bleibt. Wenn es dieses Haus nicht gäbe, dann wäre hier weit und breit gar nichts," sagt Ute Gröll vom Vereinsvorstand. "Dabei läuft es wirklich gut."

15 000 Besucher kamen im vergangenen Jahr in die Galerie. Die erfolgreiche Reihe mit Jazzveranstaltungen "Gartenstraße live" startet wieder am 2. März. Auch die Musik- und Kunstschule unter dem selben Dach ist gut besucht. Kinder können hier in Kursen ihrer Fantasie freien Lauf lassen, Erwachsene ihre Kreativität entdecken. Neben dem Musikunterricht sind Malerei, Grafik, Keramik im Angebot. Es gibt eine Theatergruppe und ein Team, das sich um Bühnenbilder und Kostüme kümmert. Auch Käthe Wenzel plant im Rahmen der Schau einen Workshop in Nauen.

Ihre Ausstellung "Angebote zum Verkleiden" ist bis zum 23. Februar dienstags bis freitags von 12 bis 18 Uhr und sonnabends von 15 bis 18 uhr zu sehen. der Eintritt ist frei.

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Akeli Mieland in: Käthe Wenzel. Wer sich an die Fakten hält, wie sie das Wetteramt verzeichnet, gerät leicht auf den Holzweg.
Katalog zur Ausstellung im Offenen Atelier Kurt Deichsel, Berlin, vom 31. Mai bis 31. Juli 2001. Edition Kurt Deichsel, Berlin 2001, S. 1-4

Füße zum Wechseln?

Schauvitrinen, Tragekoffer, Setzkästen – die Objekte von Käthe Wenzel geben Anlass zu vielfältigen Assoziationen zu Aufbewahrung und Zurschaustellung. In schlichten, einfarbigen Holzkästen sind abgeschlossene Stilleben arrangiert. Wie auf einer Bühne befinden sich die Gegenstände darin: Wächserne Nachbildungen von Körperteilen, Knochen, getrocknete Pflanzen, Korallen und Muscheln teilen sich gemeinsam einen begrenzten, aber immer großzügig bemessenen Raum.

Auf den ersten Blick fällt die frohe und treffsichere Kombinationslust auf, mit der die Einzelteile arrangiert sind. Auf den zweiten Blick sind die Arrangements sehr lesbar. Aus den Gegenständen, die in ihrer Losgelöstheit zum Symbol werden, ergeben sich bildliche Metaphern. Herausgelöst aus ihrer natürlichen Umgebung, abgetrennt von den Körpern, von denen sie sonst ein Teil sind, stehen sie plötzlich für sich allein, und werden als selbständiges Organ wahrgenommen.

In ihren ungewohnten Zusammenstellungen regen sie neue Gedankengänge an. Das Herz aus Wachs bekommt Flügel und macht sich mit seinem Gedanken und Gefühlswirrwarr auf die Reise. Bücher bekommen Ausschlag, ihr Inneres drängt nach außen durch aufbrechende Pusteln, den Geschichten wird schlecht, die verstaubte Literatur übergibt sich.

Füße stehen wie Schuhe nebeneinander, scheinbar wissenschaftliche Präparate im maßgefertigten Schaukasten. Gibt es bald Füße zum Wechseln? Für jeden Tag ein neues Paar?

Hinter Käthe Wenzels Objekten steht eine große Bereitschaft, sich die immer wiederholten Stereotypen der abendländischen Kultur zu eigen zu machen. Abgenutzte Formeln werden damit zurück ins Leben geholt, wenn es sein muss, erfrischend respektlos, so dass die Hülle aus nicht mehr nachvollziehbarer Wertschätzung durchbrochen wird, und der Betrachter ein eigenes Gefühl für ihre Wesensart und ihre Bedeutung entwickeln kann.

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Silke Ettling in: Käthe Wenzel. Wer sich an die Fakten h�lt, wie sie das Wetteramt verzeichnet, gerät leicht auf den Holzweg.
Katalog zur Ausstellung im Offenen Atelier Kurt Deichsel, Berlin, vom 31. Mai bis 31. Juli 2001. Edition Kurt Deichsel, Berlin 2001, S. 14-20.

"Buchstäblich infektiös" – eine vorsichtige Annäherung

Zugegeben – es schüttelt einen beim Anblick dieser Bücher, die, oredentlich nebeneinander aufgereiht, auf samtenen Kissen in ihrem Schaukasten hängen. Schon will man sich angewidert abwenden und bleibt dann doch, tritt noch einmal heran an den Kasten, lässt seinen Blick genauer über die Oberflächen gleiten, betastet mit den Augen die entzündeten Stellen und Beulen, stolpert über Eiterherde – und ist fasziniert. Trotzdem – ein Ekelgefühl bleibt.

Die Situation, in die wir beim Anblick dieser Arbeiten geraten, ist spannungsgeladen. Sie provoziert zwiespältige Gefühle, die sich nicht glätten lassen, die zwischen der Lust zu schauen und dem Drang sich abzuwenden hin und her pendeln. Es fasziniert zu sehen mit welcher Kunstfertigkeit die Geschwüre aus dem Wachs der Abgüsse und durch das Hinzufügen von Farbe herausmodelliert worden sind, wie sie sich über die Buchdeckel ausbreiten und aus dem inneren der Bücher heraus an die Oberfläche zu brechen scheinen.

Man bekommt Lust, die Bücher in die Hand zu nehmen, ihre Oberflächen zu ertasten, die Entzündungsherde zu ergründen, doch anders als beim Katholischen Fluchtgepäck (Portable 2001) oder dem Stierkämpferaltar (karibische Variante) (Portable 2001) ist einem der direkte Zugriff auf diese Objekte verwehrt. Der Schaukasten rückt sie in greifbare Nähe und hält sie doch auf Distanz zu ihren Betrachtern – die Verhältnisse scheinen klar geordnet, und doch wird die Sache dadurch nicht einfacher.

In seiner nüchternen Aufmachung gibt der Schaukasten einen klar gegliederten Betrachtungsrahmen vor, der den Blick auf die so präsentierten Buchobjekte konzentriert und in gewisser Weise versachlicht. Eine in heutigen Museen durchaus übliche Betrachtungspraxis, die jedoch gerade bei Büchern immer wieder erstaunt, da sich ihre mögliche Bedeutung letztlich erst über die Lektüre erschließen lässt. Doch darum scheint es bei den Buchobjekten in diesem Schaukasten gar nicht zu gehen, denn schließlich handelt es sich in diesem Fall um Abgüsse von Büchern und nicht um diese selbst.

Man kann nicht in ihnen lesen und stellt es sich doch vor, vorausgesetzt, man überwände das Ekelgefühl, das sich bereits im Angesicht der modellierten Geschwüre einstellt und wohl noch um ein Vielfaches größer wäre, würde es sich bei ihnen um reale Entzündungsherde handeln, denen man sich ungeschützt nähern könnte. Würde man solche Bücher zur Hand nehmen, wenn man beim Stöbern zwischen den Buchreihen einer Bibliothek unvermittelt auf sie stoßen würde?

Der Schaukasten schützt diese Objekte nicht nur vor dem Zugriff ihrer Betrachter, sondern bewahrt auch uns davor, die Neugier auf diese Bücher ernsthaft unter Beweis stellen zu müssen. Die Situation erinnert an einen Giftschrank, der Gefährliches vor dem unkontrollierten Zugriff anderer verschließt, gleichzeitig aber auch Schutz bietet für Kostbares, das vor dem Verlust oder Verfall bewahrt werden soll. Was aber ist kostbar an einem Buch, das durchsetzt bzw. überzogen ist von Geschwüren? Das es rechtfertigt, es aus dem Giftschrank herauszunehmen und zur Anschauung zu bringen? Kann man seinen Verfall aufhalten, indem man es isoliert? Auf diese Weise verhindern, dass sich der Erreger weiter ausbreitet? Und wer infiziert hier eigentlich wen?

Unklar bleibt die Wurzel der Entzündungsherde und die Art ihrer Ausbreitung. Zur Schau gestellt wird lediglich ein bestimmter Grad der Infektion, exakt herausmodelliert aus dem Wachs und den Möglichkeiten der Farbe. Weiter gibt es nichts zu lesen. Es fehlen die Wörter, mit deren Hilfe wir uns Zusammenhänge erschließen könnten, da sie Fakten benennen und Zustände beschreiben, Bilder in Sprache umsetzen, Verhältnisse ordnen und analysieren und uns dadurch den Anschein einer Ordnung vermitteln, die uns zugänglich erscheint.

Das Denken aber, „das sich an der beschienenen Oberfläche bewegt, das jederzeit an dem Faden der Kausalität nachgezählt werden kann, braucht noch nicht das Lebendige zu sein", so Robert Musil in seinen „Verwirrungen des Zöglings Törleß". „Ein Gedanke (...) wird erst in dem Moment lebendig, da etwas, das nicht mehr Denken, nicht mehr logisch ist, zu ihm hinzutritt."

Es ist der Reiz der Kunst und dieser zur Schau gestellten Objekte, dass sie uns an die Grenzen dessen führen, was wir mit analytischem Verstand zu erfassen glauben, und uns dazu herausfordert, den Assoziationen zu folgen, die sie in uns hervorrufen. Und vielleicht liegt ja auch gerade hierin die Nähe zwischen den buchstäblich infizierten Objekten im Schaukasten und ihren Artgenossen in der Bibliothek begründet.

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